El surrealismo

El surrealismo

 

      El surrealismo es; un movimiento que presenta un poético, plástico artístico que incluye la realización de las fases psicológicas que a sus ves se subdivide en inconsciente y subconsciente que sostienen la teoría de Sigmund Freud. El surrealismo fijan esquemas y reflexiones para expresar lo absurdo, lo insólito, lo inconsciente, lo imaginario.

 

      En los cuadros se representas estados o espacios de absoluta soledad, sombras que se alargan, estatuas rotas y enigmáticas, perspectivas sin fin y figuras fantásticas. Plásticamente son obras que muestran un dibujo académico y cuidadoso, un dominio técnico de la perspectiva y un uso adecuado del color y el claroscuro. Se manejan con maestría y soltura los recursos tradicionales del dibujo y la pintura.

 

        Entre los pintores EUROPEOS destacan, Salvador Dalí, (1904- 1989) Max Ernst (1897-1994), Joan Miró (1893-1983) Como antecedentes del surrealismo se consideran las obras de Jerónimo Bosech (El Bosco), Alberto Durero, Francisco de Goya y William Blake.

 

      En América Latina algunos artistas se aproximan a la expresión surreal del arte, de un modo distinto al europeo. Destacan el chileno Roberto Mata, el cubano Wilfredo Lam, la mexicana Frida Khalo y los venezolanos Héctor Paleo, Mario Abreu, entre otros. Nuevas generaciones de venezolanos como Felipe Herrera, Edgar Sánchez, Carmelo Niño, Henry Bermúdez se interesan también por plasmar en sus obras el "mundo interior", la fantasía y la irracionalidad. 

Tendencias Figurativas

El cubismo

 

     El cubismo representa uno de los más importantes movimientos artísticos del siglo XX. Asumió la representación de las formas desde distintos ángulos simultáneos, es decir, como si los objetos fueran vistos al mismo tiempo de frentes, de perfil, desde arriba, desde abajo, por dentro y por fuera. Por eso, en la pintura cubista los objetos y personajes se ven fragmentados en diversos planos geometrizados. En una primera fase se sustituye el punto de vista único del arte tradicional por múltiples puntos de vista, en lo que se llama cubismo analítico.

 

      Después, se avanza en la selección de detalles esenciales que aluden a los objetos y personajes, a los cuales se pegan fragmentos de elementos reales (telas, papeles, maderas), creando la técnica del collage. Esta fase se conoce como Cubismo sintético. El cubismo recibió la influencia de la obra del postimpresionista Paúl Cezanne y del arte africano, especialmente de los rasgos angulosos y las formas contundentes de las máscaras rituales.

 

       Estos detalles se aprecian en la famosa obra las señoritas de Avignom (1907) de Pablo Picasso, donde se representan con base en planos quebrados que sugieren una fuerte sensación de volumen; los rostros de las mujeres repiten los ángulos de las máscaras africanas.

 

      Los artistas más importantes del cubismo son Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963). En el museo de arte Contemporáneo de Caracas "Sofía Imber" y en museo de Bellas artes, pueden verse importantes obras de estos pintores.

 

       

Las imáges figurativas

Las imágenes figurativas

 

      En el arte del siglo XX predominan dos grandes tendencias de representación de la formas: la representativa (o arte figurativo) y la Presentativa (o arte abstracto) En las tendencias figurativas reconocemos el motivo pintado o esculpido; en las tendencias abstractas no reconocemos figuras conocidas sino líneas, planos, colores.

 

      Las imágenes que se pueden reconocer porque reproducen personas, animales, paisajes u objetos creados por el hombre, se les llaman imágenes Figurativas. Con el nombre de arte figurativo se identifican todas aquellas obras cuyos motivos imitan condiciones y formas que conocemos y percibimos del mundo que nos rodea, ya sean formas naturales o creadas por el hombre. Muchas tendencias figurativas se desarrollan durante el siglo XX, cada una de ellas se diferencia por los siglos significados y modos de representación que los artistas expresan. Algunas de estas tendencias son el cubismo, el surrealismo, el fauvismo, el expresionismo, el pop art, el realismo social, la nueva figuración, el hiperrealismo y el arte popular.

 

      Históricamente buena parte del arte ha sido figurativo porque ha tenido como base la realidad, Sin embargo, durante el siglo XX, se consolidó una nueva manera de aprehender la realidad mediante el arte que dio origen al abstraccionismo, porque las imágenes no se relacionaban con formas conocidas.

Arte Figurativo

Arte figurativo

 

      Ramón Chirinos es un artista falconiano que ha sabido pasar con soltura del arte figurativo al arte abstracto. La figuración de Chirinos no se caracteriza por reproducir o copiar la realidad, sino que la interpreta, la reinventa mediante planos superpuestos, figuras en siluetas y un vigoroso intercambio de luces y sombras coloreadas en diversos tonos de azul. Esta obra se califica como figurativa porque, aunque el artista no representa los motivos tal como lo vemos en la realidad, podemos reconocer las figuras allí pintadas: los niños, la fruta, paisaje.

 

      El arte figurativo se vale de muchos recursos expresivos para representar las formas del mundo real: alargamientos, ´siluetas, Fragmentaciones, distorsiones. En el arte del siglo XX se experimentan distintas fórmulas para "reinventar" la realidad reconocible en sus detalles principales; es decir, se desarrollan nuevos moldes figurativos que se diferencian del arte representativo tradicional.

EL OP ART

El OP ART

Características fundamentales

      La expresión OP ART, proviene del inglés y significa “arte óptico”. Tiene sus antecedentes en las obras puntillistas del futurismo y en algunos experimentos de la Bauhaus. El op art se propone crear en movimientos virtual, irreal, que se percibe en la obra en complicidad con el mecanismo de la visión. El movimiento se crea en la retinan del espectador y no en la obra. Los artistas se valen de líneas, colores y formas geométricas organizadas cuidadosa y calculadamente para asegurar la “ilusión óptica” del movimiento de la obra. Para consolidar esta sensación también se utilizan superficies metálicas pulidas Muchas de las obras de op art son en blanco y negro para marcar fuerte contrates; esto ha permitido que sus motivos sean reproducidos fácilmente en avisos, telas diseños comerciales. También se usa el color pero subordinado al efecto óptico.

 

      El op art tiene sus antecedentes en obras de algunos artistas abstractos que experimentaron con las líneas, el color puro y las formas geométricas: Piet Mondria, Kasimir Malevich y Josef Alberrs, entre otros.

 

      En el op art no se representan elementos figurativos, más bien se adopta la precisión y el rigor geométricos, alejados de toda emotividad. Por eso puede considerarse como una derivación del abstraccionismo geométrico. Sus obras se expresan mediante módulos que se repiten de forma positiva y negativa en toda la superficie de la composición. En muchos casos se utilizas formas ambiguas y reversibles.

 

      Entre los artistas principales se encuentran Víctor Vasarely, cuyas obras representan ilusiones ópticas logradas sobre la base de formas geométricas ambiguas y colores contratantes. La pintura británica Bridger Riley, autor de Current, donde la energía visual crea un espacio móvil vertical que se expande a los lados. Esta técnica que explora el fenómeno óptico se llama moaré. El Venezolano Carlos Cruz-Diez, hace del color un elementos esenciales. Propone una teoría sobre el color que recibe el nombre de fisicromía y se expone con diferentes modalidades en obras agrupadas en series: transcromías, formas progradas en progresión y expansividad del color mediante láminas ensambladas; cromointerferencias, discos de color con movimientos cerrados; cromosaturaciones, cabinas o compartimientos cerrados hechos con láminas de plástico transparente con un solo color primario producido por bombillos teñidos. La obra de Cruz Diez se ha expresado en mosaicos y murales de grandes dimensiones que se ubican en lugares públicos como el aeropuerto de Maiquetía y el Metro de Caracas.También envarias ciudades de Europa, Estados Unidos y Latinoamérica.

      Jesús Soto también desarrolló propuestas vinculadas al OP ART aunque su obra es mayormente cinética. Otros Venezolanos destacados dentro de las propuestas del op art son Edgar Guinand, Oswaldo Subero, Domingo Álvarez, Francisco Salazar, Omar Carreño, Mateo Manaure, entre otros.

Arte, Ciencia y tecnología

Arte, ciencia y tecnología

 

      Los grandes acontecimientos que sacudieron al mundo desde la segunda mitad del siglo XX: la exploración de las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasakí; el lanzamiento del Sputnitk; el alunizaje de Armstrong… unidos a los avances las participaciones nacionales de su particularidades, son factores que indiscutiblemente influyeron en nueva visión de la cultura y del arte.

      Durante este espacio de tiempo Venezuela pudo tomar de esta realidad de concesión Nuevas realidad contemporánea. Las artes plásticas cambian de concepto y de rumbo; se impone una vanguardia artística en el país que ha colocado en el panorama internacional a los artistas Venezolanos, creadores de nuevas teorías y realizaciones: Carlos Reúl Villanueva, Jesús Soto, Carlos Cruz Diez, Alejandro Otero, entre otros.

      Junto la incorporación de la tecnología y los materiales industriales, el arte nacional se conecta con las manifestaciones estéticas de mayor importancia que se estaban sucediendo en EUROPA.

      Este es marco donde se inscriben el op art y el cinetismo, tendencia generado por los avances tecnológicos conviven con creativas transformaciones de los recursos expresivos del arte tradicional. Con el cinetismo y el op art el arte abstracto adquiere carta de nacionalidad en Latinoamérica. Se incorpora el movimiento real y virtual, la tecnología interpreta la naturaleza. Nace el arte de participación.

El arte óptico y arte Cinético

Arte Óptico y arte cinético

 

      En la obra cinética de sus Soto ocupa lugar especial los “penetrables”. Se observan como unas formas de “Cubos en virtuales”, construidos con cuidadosos detalles de fibras de un material de fibras plásticas que descienden en formas dando un efecto de movimiento, interiorizar en esta obra los espectadores podemos percibir un espacio de colores, que involucra la luz y delicados sonidos agradables al oído, mientras las fibras se desplazan dando una sensación de una naturaleza en cambios contante ondulatorio.

 

 

      Los “penetrables” son un ejemplo de “arte de participación” en el los participantes activos pueden desplazar frente a la obra se integran en ella. El público y la obra se relacionan físicamente incorporados como parte de un espacio de colores, luz y de continua vibraciones infinitas en un universo lleno de materia, espacio y tiempo. Jesús Soto y otros artistas seguidores de los principios activos del cinetismo han desarrollado propuestas que incluyen la electricidad, la acción mecánica, los fenómenos naturales y las variables de luz materia.