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domingo, 2 de diciembre de 2012

Manifesciones Plásticas en Mesopotania. Manifestaciones Plásticas en Grecia. Manifestaciones Plásticas en Roma. Expresión plástica de los pueblos Indígenas. Arte Paleocristiano y Bizantino. Arte romántico y gótico. Manifestaciones plásticas del Renacimiento. Manifestaciones plásticas del barroco. Arte colonial de Venezuela y Latinoamérica. Manifestaciones plásticas de Venezuela en el siglo XIX y El arte venezolano Inicios del siglo XX.

      Unidad IV. Manifestaciones Plásticas en Mesopotamia.
     

Estatua sedente de Gudea,
Rey de Lagas, Época Sumaria.
2.100 A.C.
      Patesi Gudea fue gobernador sumerio de lagash hacia el 2.200 antes de nuestra era. La escultura de este personaje lleva en la cabeza una banda geométrica usada en ceremonias religiosas y abajo, en el faldón, se puede ver el texto de las plegarias en escritura cuneiforme.
 
      A pesar de la desproporción entre tronco y extremidades y la cabeza hundida entre los hombros, se aprecian las contracciones musculares del brazo y algunos detalles corporales como las cejas y uñas. Las formas simples y macizas se aligeran un poco con los detalles de textura que ofrecen los signos escritos, la banda de la cabeza y la decoración del manto.











Estandarte de Ur-Cara de la Paz.Época sumeria. 2.500 A.C.

      El panel “de la paz” representa animales, pescado y otros bienes traídos la procesión a un banquete. Las figuras sentadas, vistiendo faldas de lana, beben con el acompañamiento de un músico que toca una lira. Las escenas de banquete como esta son comunes sobre los sellos cilíndricos de este periodo, como ocurre con el sello de la Reina Pu-abi, también conservado en el Museo británico.


      La Región mesopotámica.
      Mesopotamia está ubicada en el centro del cruce de caminos entre Asia, África y Europa. La civilización mesopotámica tuvo su origen en Asia Menor, en los valles fértiles que se ubican entre los ríos Tigris y Éufrates. Las inundaciones de estos ríos hacían muy fecundas aquellas tierras bajas rodeadas de montañas y desiertos, divididas en tres regiones naturales: Caldea o Baja Mesopotamia, cuya capital era Babilonia. Asiria o Mesopotamia Central, donde estaban las ciudedes de Assur y Nínive, y la Alta mesopotamia, situada en la parte norte de la región. A diferencia de Egito, en Mesopotamia se desarrollaron simultániamente varias culturas, tuvieron ciertos rasgos comunes en relación con los dos grandes poderes que articulaban la sociedad: los dioses, ligados a la naturaleza y a los astros, y los Reyes, vinculados al poder. Por esta razón, el arte gira en torno a los templos y a los palacios y son decorados con relieves y mosaicos de compleja simbología.
 
     Arquitectura y Pintura Mesopotámicas.
     
     Arquitectura Mesopotámica.
 
     La arquitectura mesopotámica destaca por ser un claro ejemplom de adecuación entre forma, técnica y materiales. Los mesopotámicos no disponían de piedra ni de madera en abundancia, por eso se vieron obligados a usar la arcilla como materias básico en sus construcciones. Primero utilizaron adobes secodos al sol, pero como este procedimiento no era adecuado para resistir las inudaciones, idearon ladrillos cocidos al fuego. Como no podías usar vigas para cubrir
Palacio de Korsabad. 721-705 A.C. Reconstrucción.
grandes espacios, inventaron el Arco como una solución técnica y estética. El arco podía sustituir una viga muy larga y superar su resistencia; estaba conformados por la drillos pequeños llamados dovelas que, superpuestos, se mantenían sostenidos por compresión. Del uso ingenioso del arco se originó la Bóveda, semiesférica para techar espacios de planta cuadrada o circular.   

      Principales Edificaciones.
Reconstrucción de Zigurat.
      Las grandes edificaciones mesopotámicas se levantaron sobre terraplenes de piedra para proteger sus bases de la humedad excesiva en tiempos de lluvias o inundaciones. La religión y el poder condicionaron la sociedad y la arquitectura de esta civilización. Por eso, sus principales edificaciones son los palacios, grandes fortalezas con patios interiores y dependencias donde se ubica el zigurat, el cual consiste en un gigantesco templo escalonado relacionado con el culto a los astros y la influencia que ejercían sobre la vida diaria. Los zigurats eran de pisos a modo de una gran pirámide escalonada a la cual se ascendía por rampas de circulación que se distribuían a su alrededor. Su silueta dominaba las ciudades, lo cual subrayaba su simbolismo y poderío. Los Palacios y templos estaban recubiertos con ladrillos vidriados o esmaltados que complementaban la decoración hecha con relieves y esculturas.

      Pintura Mesopotámica.

      La pintura mesopotámica estuvo al servicio de la decoración arquitectónica y de la escultura.
      En Caldea, al embellecer los ladrillos con esmalte vinieron a construir el sistema decorativo policromo de los edificios. Digna de mención es la puerta de Istar (diosa de la guerra) en cuyas torres sobre fondo azul oscuro obtenido de lapislázuli, aparecen en relieve animales fantásticos dispuestos en nueve hileras. Sus colores son amarillos, verdes, azules y blancos.
 
      Los asirios policromaron los relieves para realzar los detalles, de un modo convencional: negro para el cabello, cejas y boca de las figuras humanas; rojo o azul para los adornos del traje.
      Los ladrillos y las placas de arcilla o azulejos las esmaltaron o vidriaron de negro, azul, rojo, blanco y amarillo, por medio de colores minerales. Con ellos realizaron composiciones pictóricas en forma parecida a la técnica del mosaico para decorar los muros de los palacios.
      Allí estaban también centenares de objetos artísticos y las joyas y atavíos que habían usado, los cuales patentizan el perfeccionamiento alcanzado por los súmeros en orfebrería.
      Sobresalen: una cabeza de toro que decoraba un arpa. Está hecha de lapislázuli revestido de oro. Un yelmo de oro labrado que simula una peluca con turbante. Y el aderezo o tocado de la reina Subad compuesto de una combinación de cintas doradas con colgantes de oro, gruesos aretes, y encima una peineta del mismo metal adornada con siete rosetas e incrustaciones de perlas y cuentas de cornalina.
      Los Sellos.
      Entre los mesopotámicos fueron muy difundidos los Sellos  de forma cilíndrica con pequeños relieves modelados o tallados que dejaban su impresión sobre superficies blandas de arcilla. Los sellos eran objetos personales que se usaban como "firmas" en documentos escritos sobre tablas de arcillas. Destacan también los estandartes, objetos suntuarios con escenas que "narraban" hechos o actividades importantes vinculados a la religión o al gobierno. Entre ellos el Estandarte real de Ur que es una gran placa de piedra caliza con incrustaciones de lapislázuli.

      Esculturas y relieves Asirios.

Toro alado de Korsabad.
Época Asiria.
      Los asirios tuvieron su centro en Assur, nombre que llevaban la ciudad, el dios y el pueblo, ubicada en la parte alta del río Tigris. Fueron un pueblo de una personalidad marcada por la rígidez y la violencia. Establecienron un impirio poderoso dirigido desde el palacio de Sargón II, de finales del siglo VII A.C. En su arte destaca una singular decoración escultórica. Las puertas suelen estar protegidas por gigantescos animales fantásticos, que simbolizan el poder y la fuerza, como el Toro de Karsabad. Esta representación androcéfala, con cinco patas y barbas rizada propia de los reyes, impone un caráter monumental que funde escultura y arquitectura.


La Leona Herida
      Imágenes similares existieron también en el palacio de Persépolis, monumento arquitectónico que junto a la la Puerta de Istbar de Babilonia y el relieve de La leona heridad constituyen algunas de las obras más representativas del arte mesopotámicos

      Unidad V. Manifestaciones Plásticas en Grecia.
Hermes con Dionisio niño. Paxísteles. 330 A.C.

      Esta es única obra original del escultor griego Praxísteles que se ha conservado hasta nuestros días se incontró en la ciudad de Olimpia. Representa a hermes en el trance de transportar a Dionisio niño desde el Monte Olimpo hasta la mansión de crianza. El momento de la historia mitológica en que Hermes se detiene para saciar la sed del niño con un racimo de uvas; el joven dios del vino extiende su mano para agarrarlo. Esta obra revela un gran dominio de la técnica escultórica, una representación realista de la amatomía y de los pliegues de la túnica. La proporción, el equilibrio y la textura destacan como parte del idealismo de la escultura clásica griega.

      Grecia y las artes
      Grecia desarrolló su cultura en islas, penínsulas y costas, lo cual favoreció los intercambios culturales. Las diversas manifestaciones de la cultura occidental nacieron en Grecia: las artes plásticas, la literatura, la legislación, la filosofía, el deporte, la biología y las matemáticas, entre otras. La exaltación de valores espirituales e intelectuales, un sólido sistema político y económico, una notable creatividad y una alta sensiblilidad le permitieron al pueblo griego desarrollar una de las más grandes civilizaciones de la historia. Tradicionalmente se distinguen tres etapas en el desarrollo del arte griego: El período Arcaico (siglos VIII - VI) Cuando se inician las concepciones más primitivas y esquemáticas en artes plásticas; El período clásico (siglos VI - V). Cuando el arte alcanza la máxima perfección y universalidad, expandiéndose por todo el Mediterránio y El período helenístico (siglos III - II), cuando se afianza sus influencias culturales sobre otros pueblos, especialmente con Roma.

      Los griegos crearon un arte que expresa un ideal estético identificado con el equilibrio, la proporción, la geometría, el razonamiento. La idealización de la figura humana centró la atención del artista griego desde el período arcaico hasta el helenístico, alcanzando la máxima esplendor durante el período clásico. Por ello crearon cánones y proporciones inspirados en la armonía de la naturaleza. La arquitectura, la escultura y la cerámica griega alcanzaron un notable desarrollo e influyeron el culturas posteriores.

      Antecedentes del arte Griego.

      Civilizaciones Prehelénicas.
      Los Antecedentes de las artes plásticas griegas se registran en el arte minoico y en el arte micénico, dos civilizaciones contemporánia a la egipcia y a la mesopotáneas a la de egipto ya mesopotámica. Estas civilizaciones llamadas egeo-cretenses o prehelénicas desarrollaron una arquitectura de templos y palacios. El palacio de Gnossos es el más famoso, donde destacan esculturas de figura femenena con serpientes en las manos y relieves organamentales. Sin embargo, la obra más conocida es la Puertas de los leones, en Micenas, En los palacios se conservan pinturas de estilizados motivos vegetales y animales en colores planos y vivaces, y contornos definidos.

      Cerámica Griega.
      La cerámica griega es importante no sólo por su desarrollo sino también como testimonio del arte pictórico, el cual ha desaparecido casi en su totalidad. A partir del siglo VII A.C. Se desarrolló en Corinto la técnica de figuras negras sobre el fondo rojo de la arcilla y a partir del siglo VI A.C. Se experimenta la cerámica de figuras Rojas sobre fondo negro. Los motivos representan escenas religiosas, festivas, militares y de la vida cotidiana. Las figuras son esquemáticas y los ornamentos geométricos y lineaales. Los ceramistas griegos crearon unagran diversidad de formas de acuerdo con los diversos usos de los recipientes cerámicos.

       Escultura Griega.

      La cultura Griega suele estudiarse en función de los períodos arcaicos, clásicos y helenístico. El tema principal es la figura humana y las carcterísticas resultantes el idealismo, lo cual significa que setrata de representar los tipos humanos con su mejores representaciones corporales, las facciones más perfectas y en actitudes de serenidad y equilibrio cuidadosamente estudiadas.
      En el período Arcaico predominan las tallas en piedra de aspecto rígido y simétrico: el hombre - Kuros o Kuroi- en actitud de marcha y la mujer - Koré - Korai- con el cuerpo cilíndrico, los pies juntos y vestida hasta los pies. Ambos presentan brazos pegados al cuerpo y una inexpresiva sonrisa. Representaban jóvenes héroes y amables servidoras del templo.

Discóbolo.
      La escultura del período clásico es la expresión artísticariega por excelencia. La rigidez arcaica da paso a obras de carácter idealista, de gran soltura y movimiento y de notable realismo en la anatomía y en el tratamiento de los ropajes. La gran mayoría de estas obras se conocen por copias romanas, aunque eran de bronce. Sólo los relieves de los templos nos permiten ver obras griegas originales. En el Partenón trabajó Fidias, el más famoso escultor de su tiempo, autor de la escultura Atenea Parthenos y las Partenón. Mirón fue célebre por su Discóbolo, que representa un deportista en el momento de lanzar el dico: reproduce un instante de dinámica y tensión corporal, donde la expresión del rostro permanece ajena al esfuerzo.

Laocoonte y sus hijos. Período
Helenístico. Siglo V.
      Policles, autor del Doríforo, representación ideal de la figura humana, escribió un tratado sobre la proporción escultórica. Otros escultores importantes fueron Praxísteles, Lisipo y Scopas. Las esculturas del período helenístico se hacen más narrativas y expresivas. El equilibrio y el idealismo de las figuras son sustituidos por expresiones de un realismo anecdótico y poses rebuscadas. Se producen importantes Obras como Laocoonte y sus hijos, Galo moribundo y las famosas escutura de la Venus de Milo y la Victoria de Samontracia.

Arquitectura Griega.

      Características.
Planta del Partenón.
      La prosperidad económica de la época, el desarrollo de las ciudades y la experiencia griega en construcciones fueron los factores que permitieron levantar imponentes edificaciones como el Partenón, conjuntos religiosos como los de Atenas, Delfos, Olimpio y la imponente Acrópolis. Los edificios están concebidos como grandes esculturas penetrables para ser admirados desde el exterior. Emplearon el sistema adintelado como esquema constructivo y el mármol como material predominante. Las columnas, frontones y ornamentaciones de las fachadas se repiten y se alternan con inusual simetría y proporción.

      Los órdenes Griegos.

      En la arquitectura griega predomina el uso de tres Órdenes o conjunto de normas sobre la forma, proporción y decoración de los edificacios. Los órdenes griegos pueden identificarse especialmente por el capitel de la columnas y se clasifican en dórico, jónico y corintio. Ocasionalmente se emplearon columnas con figuras femeninas llamadas cariátides o masculinas llamadas atlantes. El orden dórico, que surge de la arquitectura prehelénica en madera, conserva la madera petrificada como elemento de construcción, la columna es muy sencilla, no tiene basa y el capitel es de moldura simple. el orden jónico lleva unas volutas en su capitel, tiene basa, el fuste es más esbelto y acanalado y lleva relieves en su cornisa.

      El orden corintio es una variante del jónico. El capitel está ornamentado con formas inspiradas en hojas de acanto y volutas en sus extremos. Tiene basa y el fuste es alrgado y acanalado. La arquitectura se complementa admirablemente con la escultura y los relieves aplicados en algunas partes de las fachadas como el frontón, los frisos y las metopas.

      El templo.

Templo de Atenas.
      El templo es el edificio más representativo de la arquitectura griega. Su función principal consistía en albergar la imagen antropomorfa de la divinidad; su carácter era público, democrático, civil y religioso. La planta es rectangular, con una sala central -cella o naos- para la imagen del dios y un pórtico adelante donde se celebraban las ceremonias.


     Unidad VI Manifestaciones Plásticas en Roma.

Arco de Tito
      Los Romanos construyeron imponentes monumentos para conmemorar sus victorias militares. Entre este tipo de construcciones conmemorativas destacan las columnas y los arcos de triunfo, en cuyos relieves decorativos se narran las hazañas más sobresalientes de la batalla con fines propagandísticos.

El Arco de Tito muestra una articulación compacta y pesada que resalta la funcionalidad de las construcciones romanas a diferencia de la elegancia formal de la arquitectura griega. Este arco tiene un solo tiene un solo vano; los hay de tres y cinco.
 
      La civilización romana.


Colosseum in Rome-April 2007-1- copie 2B.jpg
Coliseo romano. 82 a.C Roma

 Los romanos fueron grandes admiradores del arte griego, del que copiaron sus templos y sus esculturas; adoptaro su sistema de organizar las ciudades en forma de cuadrícula, Influencias que difundieron por todo su vasto imperio. Por más de once (11) siglos los romanos asimilasron y difundieron los aportes culturales recibidos de los pueblos conquistados pero dándoles un gran sentido práctico y utilitario. Los antecedentes del arte romano provienen de tres pueblos: los sabinos, los latinos y los etruscos; los cuales ejercieron notables influencia en sus costumbres, vida cotidiana y arquitectonicos; los cuales ejercieron notables influencia en sus costumbres, vida cotidiana y arquitectura. El arte romano se estudia, al igual que su historia, en tres grandes períodos: el Arcaico, llamado época de los reyes (753 a 509 a.C), la República caracterizado por una notable imitación del arte griego (509 a 27 a.C.), y el Imperio, desde el año 27 al 395 d.C.), donde producen un arte que sintetiza las influencias etruscas y griegas. Cuando muere el gobernante Teodosio, el Imperio Romano se divide en dos: el de Oriente y el de Occidente. En líneas generales, se puede decir que la civilización griega fue Idealista, la romana se distingue por el carácter utilitario de sus edificaciones, la expresión realista de sus esculturas y el sentido práctico de sus leyes y sistemas administrativos. La civización romana es la referencia más importante de la cultura del mundo occidental.
 
      Arquitectura Romana.
 
Foro Romano
      Características constructivas. La arquitectura consiste en la manifestación artística más importante de los romanos. Es un arte fundamentalmente urbano, al servicio de los intereses politicos de los gobernantes y de las necesidades prácticas y recreativas de la población. Esto explica su gran sentido utilitario, la sensación de grandesz, la variedad de edificaciones y las prácticas soluciones arquitectónicas que se adoptaron.
 

Foro Romano desde un ángulo diferente.

      Los romanos se deben las primeras concepciones de urbanismo y la distribución en cuadrícula de las calles. Idearon un sistema constructivo nuevo en el mundo antiguo, donde introdujeron innovaciones técnicas como el uso de bóvedas de aristas. de cañón seguido y el sistemas estructural con arcos y cúpulas que les permitío cubrir grandes espacios arquitectónicos y eliminar las columnas interiores. La piedra, el mármol y el ladrillo fueron sus principales materiales de constructivos.
 
       Infuencia Griega.

Colosseum in Rome-April 2007-1- copie 2B.jpg
Coliseo romano. 82 a.C Roma

      La configuración arquitectónica y la ornamentación de la arquitectura griega influyeron notablemente en los romanos, aunque éstos le dieron características propias: recergaron de ornamentos las construcciones y modificaron sus proporciones. Combinaron los órdenes griegos de tal manera que llegaron a emplearlos todos en mismo edificio, como el caso del Coliseo.
 
Planta de la basílica     
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 




      El orden dórico lo transformaron en toscano y al jónico le alteraron la altura y las volutas. Crearon el orden Compuesto mezclando el jónico y el corintio. El templo Romano deriva del griego. Del estilo helenístico adoptan el arco de triunfo y la columna conmemorativo.
 
Panteón de Agripa
      Los templos romanos eran de diferentes tipos, pero  muy similares a los griegos. Se levantan sobre un podio con escalinatas en la fachada principal y pueden ser de planta cuadrada o circular. El más famoso es Panteón de Agripa, de planta circular e imponente cúpula.
 


      Entre los edificios públicos de recreación destacan el Teatro, también adaptado del griego y el anfiteatro dedicado a la lucha de gladiadores. El más famoso de estos últimos es el Coliseo, de tres pisos, cubierto con bóvedas de cañón y planta oval. El circo, de planta elíptica con un eje central llamado spina, estaba dedicado a carreras de caballos.
 
      El amplio territorio que poco a poco fueron conquistando los romanos impuso ingentes necesidades de comunicación y abastecimiento, esto los llevó resolver complejidades técnicas para levantar calzadas, puentes y acueductos como los de Segovia, en España y el Pont de Gard, en Francia. Para celebrar sus triunfos militares y demostrar su poderío bélico levantaron columnas conmemorativas como la de Trajano y arcos de triunfo, como el de Tito, el de Séptimo Severo y el de Constatino en Roma. En todos ellos son esenciales los relieves decorativos y propagandísticos del gobierno.

Maqueta de la basílica de Majencio      Tal fue el exito del modelo diseñado que su estructura se convirtió en referencia para las Inglesias paliocristianas. Sobre todo en lo que se refiere a su orientación longitudinal con pórtico de entrada, nave principal y ábséde en la cabecera. Su influencia se dejaría ejercer también en el Renacimiento, donde causó enorme fascinación, reflejada en la obras de Bramante y el Fresco de la escuela de Atenas de Rafael.
 
      Destacan también las termas y las basílicas por ser monumentales construcciones, de estructura compleja y cubiertas con cúpulas y bóvedas, donde funcionaban lujosos baños públicos o grandes mercados, respectivamente.

Basílica de Majencio y Constantino.
Reconstrucción de la basílica con laestatua colosal de Constantino al fondo
Basílica de Majencio y Constantino. Roma. Reconstrucción.

      Escultura y Pintura.

      Escultura y relieves.

Busto de Lucio Junio Bruto
      La escultura ocupó un lugar destacado entre los romanos. Junto a la pintura y al mosaico, invadió los espacios privados y públicos y sirvió como signo de ostentación y propaganda política. Fue influencia por el carácter funerario y realista de los etruscos y por los modelos y formas de los griegos. En la religión romana el culto a los antepasados jugó un papel importante, por eso se hacían muchos retratos de los difuntos con un gran verismo físico y gestual, con el propósito de inmortalizarlos. Un ejemplo del arte es el busto retrato del fundador de la República, Lucio Junio Bruto, donde destacan el realismo de las facciones y la expresión psicológica.


Escultura de Augusto de Prima Porta, Copia
de una mármol de una estatua de bronce.
      Durante el Imperio se hicieron muchas estatuas de los gobernantes. La efigie del emperador se convirtió en representación del poder y propaganda de su govierno. Entre las estatuas más importantes se encuentra la escultura pedestre de Augusto de Prima Porta, donde resalta la influencia griega, los atributos de la indumentaria y los símbolos de las provincias recién conquistadas, Germania, Hispania y las Galias.





Escultura ecuestre de
Marco Aurelio.
      En la escultura ecuestre de Marco Aurelio predomina los detalles, los valúmenes y la expresión serana y sabia del gobernante. Abundan retratos de esculturas exentas de personajes de la vida oficial y pública.

      El relieve romano se caracterizo por su carácter narrativo, acompaña monumentos arquitectónicos, arcos de triunfo y columnas.

Vista fontal del Ara Pacis.
      Demuestran una diestra calidad técnica, de dinámicas composiciones y severo realismo en la representación del espacio y los gestos y actitudes de los personajes. Los más representativos son los del Ara Pacis Augustae, altar cuadrangular que simboliza el dominio del Imperio romano de Augusto, y los de la Columna Trajana, que ilustran en espiral las campañas de este emperador.

      Pintura y mosaico.


Venus, Adonis y Cupido
Cupido, Venus y Adonis. Pintura
      Las pocas pinturas que se conocen del arte romano se conservan en las parades interiores de casas y ruinas ubicadas en las colinas orientales, en algunas ciudades y en la propia Roma. Los temas son mitológicos y de la vida cotidiana, ambientados y enmarcados con motivos vegetales estizados y ornamentación geométrica. Las figuras y motivos son de un dibujo cuidadoso y exacto.

          Usaron el claroscuro para respresentar volúmenes y expresiones. Como ténicas pitóricas usaron el fresco y la escáustica. Los suelos se cubrían de mosaicos perfectamente elaborados con pequeñas piezas coloreadas de piedra u otros materiales llamados teselas, con las cuales formaban composiciones geométricas o escenas que imitaban la pintura.

      Unidad 7 Expresión plástica de los pueblos Indígenas.
Templo de Kukulkán en Chichen Itza. México.
       Este templo, muestra significativa del arte originario, estuvo dedicado al dios Kukulkán. Esta construcción posee carácter doble, es decir, que protege otro templo similar en su interior. Los lados escalonados están divididos por grandes escalinatas que conducen al templo en la parte superior. Las columnas de entrada al templo representan dos ser pientes y se encuentran también grandes cabezas al pie de las gradas. Las dimensiones de la base cuadrada tienen una extensión muy similar a la de las pirámides de Keops, en Egipto. Los lados escalonados a modo de pirámides truncadas superpuestas recuerdan la pirámide egipcia de Sackará y el Zigurat mesopotámica. En el arte orienario se encuentran diferentes formas piramidales levantadas por Aztecas y Mayas, pero con un mismo fin: rendir culto a sus divinidades en coloridas y exigentes ceremonias.
       América originaria.

      Con el nombre de arte prihispánico se conocen todas las manifestaciones artíscas de las diferentes culturas y civilizaciones que se desarrollaron en el actual territorio latinoamericano antes de la llegada de los conquistadores europeos en el siglo XV. En la América originaria no se dio una cultura uniforme y única. Cada pueblo desarrolló expresiones culturales y artísticas diferentes, aunque con cierto grado de similitud entre ellas. La civilización originaria se divide en tres regiones o áreas culturales.

      La región mesoamericana, al norte, ocupó lo que hoy es México, Guatemala, Honduras y pate de Nicaragua. Aquí se ubican los aztecas y los mayas, quienes construyeron pirámides escalonadas,grandes patios con relieves, crearon una sistema numérico vigesimal y una escritura a base de signos que se reproduce en libros llamados códices.


Before Machu Picchu.jpg
Ciudad de Mechu Picchu. Patrimonio Cultural de la
Humanidad. Perú.
      La región andina. Al sur, a lo largo de la cordillera de los Andes y las costas del océano Pacífico, incluye Colombia, Perú, Ecuador, Bolivia y parte de Chile. Levantaron monumentales edificaciones en piedra y se destacaron en cerámicas, orfebrería en oro, bronce y cobre. Lograron adelantos en ingeniería, Matemática y técnicas agrícolas. Las culturas más importantes de esta región son Inca en Perú, y la Chibcha, en Colombia.


       La región circuncaribe, en el centro, circunda el mar Caribe y abarcó lo que hoy conforma Venezuela, norte de Colombia, las antillas y las Guayanas. En esta zona no se levantaron grandes construcciones en piedra, pero algunos pueblos hicieron notables esculturas en cerámica, piedra y metales.

      Región mesoamericana.

      Arquitectura.

      La arquitectura originaria reúne un conjunto de manifestaciones arquitectónicas de tanta importancia y personalidad como la egipcia y la griega. A pesar de incluir variantes entre las distintas culturas, revela tendencias de estilo propio.

      Los principales tipos de construcción eran los templos - pirámides, edificios piramidales escalonados que se concebían como un gran pedestal para alojar un templo que se levantaba en la parte superior, al cual se subía por angostas y largas escaleras externas. Las más famosas son las pirámides del Sol y la Luna, en la ciudad ceremonial de Teotihuaca, en México; las pirámides de Tikal, en Guatemala y las de Yucatán, en México. Los templos, independientes o ubicados en la cima de las pirámides, tenían dos espacios internos con poca ventilación y claridad natural ya que carecías de ventanas. Las fachadas están divididas en dos franjas horizontales decoradas en relieves que cubren todo el exterior del edificio. Estas culturas también levantaron palacios, observatorios, colmnatas, arcos y plataformas.

Maqueta del templo del Sol
      El materrial de construcción fundamental era la piedra caliza de la cual obtenían la cal, que mezclada con grava era utilizada como mortero. La madera fue poco empleada. Para la cubierta de los edificios emplearon techos planos y la bóveda de piedras saledizas o "falsas bóvedas", llamada así porque a medida que se colocaban los ladrillos el superior sobresalía un poco sobre el inferior.


Sistema de tablero de Talud
      En Teotihuaacan se emplearon las particularidades arquitectónicas propias de la pirámide ya se conocían en Cuicuilco, con la aplicación de una serie de plataformas van achicándose conforme toman un nuevo nivel asendente (solo que en cuicuilco se trata de un cono, mientras que aquí son pirámides.). Así pues se comenzó a edificar siguiendo el tipo de Cuicuilco, es decir una serie de plataformas decrecientes con sus lados en talud. Más tarde se difundió el sistema de constructivo de tablero sobre talud.

      Escultuara.

       La escultura de la región mesoamericana incluye desde gigantescos monolitos de varios metros de altura hasta pequeñas y expresivas figuras de pocos centímetros. En ambos caso destaca el realismo en las formas y la acusada expresión en los gestos y actitudes de los personajes. Los temas están relacionados con la narración de ritos, representación de dioses o anécdotas de vida común. Los relieves demuestran un trabajo realista que interpreta las formas de madera simplificada pero con una fuerte expresividad descriptiva. Las figuras humanas aunque no ostentan una proporción adecuada a la anatomía corporal, logran transmitir fuerza y carácter. Las esculturas determinan una disposición simétrica y equilibrada que no impiden expresar la sensación de movimiento.

      Los materiales más utilizados fueron piedras blandas como la caliza y duras como el basalto, la diorita, el granito, el cuarzo y el jade.

       Pintura y cerámica.


Autoretrato en un Vaso del Petén

      La pintura fue aplicada en grandes decoraciones de templos y palacios o en pequeñas dimensiones en cuero o papeles que fabricaban con fines religiosos o complementos decotativos de vestimentas. Los temas consistían en escenas mitológicas y rituales realizadas en una técnica muy parecidas al fresco. Las figuras es tilizadas y convencionales en el dibujo, colorido y composición, se resolvían con colores planos y contornos liniales. No utilizaron la perspectiva ni el claroscuro.



      La Cerámica. alcanzó garn desarrollo, a pesar de que no conocieron el torno. Son frecuentes los Vasos cilíndricos de patas cónicas y las vasijas zoomorfas cerenmoniales de compleja ornamentación.

      Los temas y características plásticas son semejantes a los usados en pintura.

      Región Andina.

       Arquitectura.

        El fin práctico de la arquitectura de esta región y la organización urbanística de las ciudades fueron fundamentales para el progreso social y cultural de los primeros pobladores de la reprimeros pobladores de la región andina. Desarrollaron una arquitectura variada y adecuada a las condiciones del ambiente en sus formas y técnicas constructivas. En la costa usaron muros de adobe y paredes de arcilla, en la sierra piedras duras como granito, diorita y pórfido.

      Entre las principales edificaciones se encuentran los templos, los palacios y las viviendas. Entre los elementos constructivos destaca el dintel sobre puestas y ventanas de forma trapezoidal. Los techos eran de madera y paja. A pesar de que conocieron la bóveda, la columna y la bóveda salediza, utiliaron poco estos elementos como soluciones constructivas. Los templos eran las edificaciones más importantes, dedicados a rendir culto a los dioses especialmente a "Inti", el Sol. Los edificios religiosos no tuvieron una apariencia o característica común, sino que se disponían de forma práctica en un área rectangular. Machu Picchu representa el conjunto religioso más impotantantes.
      



Descripción de Machu Picchu.

      El área edificada en Machu Picchu es de 530 metros de largo por 200 de ancho e incluye al menos 172 recintos. El complejo está claramente dividido en dos grandes zonas: la zona agrícola, formada por conjuntos de terrazas de cultivo, que se encuentra al sur; y la zona urbana, que es, por supuesto, aquella donde vivieron sus ocupantes y donde se desarrollaron las principales actividades civiles y religiosas. Ambas zonas están separadas por un muro, un foso y una escalinata, elementos que corren paralelos por lcuesta este de la montaña.
      
      Zona agrícola: Los andenes(terrazas de cultivo), de Machu Picchu lucen como grandes escalones construidos sobre la ladera. Son estructuras formadas por un muro de piedras menores, cascajo, arcilla y tierra de cultivo que faciltan el drenaje, evitando que el agua se empoce en ellos (t´rngase en cuenta la gran pluviosidad de la zona), y se desmorona su estrutura. Este tipo de construcción permitio que se cultivara sobre ellos hasta la primera década del siglo XX. Otros andenes de menor ancho se encuentran en la parte baja de Machu Picchu, alrededor de toda la ciudad. Su función no era agrícola sino servir como nmuros de contención.
Otros tipos de edificaciones fueron las fortalezas de piedra, en cuyo interior se encontraban torreones, templos y depósitos. La más conocida de estas fortalezas es la Sacsahuamán, en Cuzco. Los palacios eran construcciones en piedra donde vivían las clases altas del imperio. Disponán de grandes patios, amplios miradores y dos pisos de altura.


Templo del Sol.
      Se accede a él por una portada de doble de janda, que permanesí cerrada (hay restos de un sistema de seguridad. La edificación es conocidad como torrión, de bloques finamentes tallados. Fue utilisado para el soltilegio de Junio, una ventana muestra que tenia adornos de lujos que fueron arrancadas en algun momento de la histria. destruyeron parte de su estructura. Adémas hay huellas de un gran incendio en el lugar.

      Escultura y cerámica

Cabeza de Inca con de piedra con
LLauto y Mascispacha.
      Lo que se conoce como escultura andina podemos una cabeza de Inca en piedra con LLauto y Mascispacha, los incas realizaron muchos trabajos en piedra, oro, plata y madera. Las manisfestaciones más comunes son: vasijas con grandes asas y vasos de arcillas antropomorfos y zoomorfos, diseñados con inusual realismo y expresividad.





Cántaro inca principal
      La cerámica se desarrolló en toda la América originaria, pero destacó la de los pueblos andinos por su acabado, belleza, variedad y uso práctico. También se conservan tallas en piedra, monolitos con incisos o relieves ornamentales que representan figuras totémicas, símbolos religiosos o motivos abstractos.






         Pintura y Testiles Dado que los testimonios pictóricos andinos son ricos en cerámica y textiles para conocer su desarrollo. Los motivos zonmorfos y antropomorfos son de uso convencional, se repiten y alternan rítción narrativa, ya que son esencialmente decorativos. Tramotivos geométricos conforman el lenguaje ornamental de textiles y cerámicas.



Pintura
        Esta pintura segun la crónica de Marín de Murúa 1.615 Pachúcutec.















     

      Unidad 8 Arte Paleocristiano y Bizantino.

File:Hagia Sophia2 (February 2011).jpg
Iglesia de Santa Sofía. 532-537 d.C. Estrambul.
File:Istanbul.Hagia Sophia009.jpg
Muestra del Coldero de DIOS
ordenada la construcción por el Emperador
Teodosio II.
      La iglesia de Santa Sofía en la antigua Constantinopla, hoy Estambul, es una de los monumentos arquitectónicos más emblemáticos de todos los tiempos. Fue convertida en mezquita por los turcos, quienes le añadieron las cuatro torres o "minaretes" que la rodean. Esta iglesia se erige como una fución de las tradiciones constructivas romanas con la necesidad de diseñar un espacio amplio y simbólico para exaltar la autoridad de Dios en la Tierra, representada por el emperador Justiniano, quien ordenó constrirla. Destaca la importancia de la cúpula que está apoyada sobre dos semicúpulas que a su vez, transmiten su carga a los poderosos contrafuertes. La cúpula centar apoyada a manera de escala, expresa el poder divino y humano desde el cielo hasta elsuelo. Hoy día funciona como museo.

Mosaicos con la representación de la hospitalidad de Abraham y el sacrificio de Isaac (siglo VI d.C.). Rávena, San Vital
Mosaico de la representación de la hospitalidad de Abraham y el sacrificio de Issac.
      Arte Cristiano.
      Aunque se considera cristiano cualquier arte que se inspira en la religión cristiana, en la Historia del arte se reconoce arte cristiano al que se desarrolla específicamente en Europa y en el Cercano Oriente entre los siglos IV y XIV, aproximadamente. Dentro esta tendencia se reúnen cuatro estilos principales: el Paleocristiano o arte cristiano primitivo; el Bizantino desarrollado en Oriente; el Románico y el Gótico desarrollados en Europa.

       El cristianismo tiene su origen en una alejada colonia del Imperio romano, Palestina, donde empezó a tomar fuerza una corriente religiosa insperada en las enseñanzas de Cristo, que se oponía a la mitología romana y estimulaba ideales de igualdad, hermandad, justicia y amor al prójimo.

      Al principio este culto fue contraatacado por las fuerzas represivas del Imperio con persecuciones y violencia. Pero a pesar de esto la doctrina se fue expandiendo hasta hacerse reconocida y autorizada como religión oficial del Imperio por Constantino, en el año 313. Esta libertad para expresar y practicar el criostianismo generó cambios en la vida de los pueblos, se impusieron nuevas costumbres y se crearon nuevos objetos artísticos para el culto.


Vitrales de la catedral de
Reims en Fracia. 
      La literatura, las artes plásticas, la música y el pensamiento produjeron obras acordes con estas ideas religiosas. Iglesias, imágenes, vitrales, iconos, mosaicos, relieves, objetos ornamentales y tejidos constituyen un extenso testimonio de diferentes manifestaciones artísticas que se han inspirado en los principios, símbolos e iconografía del cristianismo a través de las orientaciones y normas de la Iglesia católica.



Vitrales de Mises en el monte del Sinaí y Moses ante el Farón detales de la catedral Colonia, en Alemania,
en la segunda mitad del siglo XIII.
     
      Arte Paleocristiano. Arte Bizantino

      Arte Paleocristiano.

      El arte paleocristiano, desarrollado antes del trinfo del cristianismo, se puede apreciar en las pinturas murales hechas en las catacumbas o cementerios subterráneos donde se refugiaban los primeros cristianos. En estas pinturas tenía mayor interés el valor espiritual que el valor artístico, por eso se caracterizaban por su simplicidad técnica y el uso de formas convencionales que se acoplaban a los símbolos y ornamentos paganos para expresar los nuevos ideales religiosos. Las catacumbas estaban formadas por largos y estrechos pasillos que, distribuidos en varias direcciones y niveles, constituían complicados laberintos y refugios. Este sitio ofreció seguridad a los primeros practicantes porque la ley romana prohibía invadir los cementerios. En sus paredes se hicieron pinturas, se abrieron cavidades para tumbas y se reservaban los espacios más amplios para reuniones y ceremonias. Entre las catacumbas más importantes están la San Calixto y la Santa Priscila en Roma.

Santa Sabina inside.JPG
Basílica de Santa Sabina en Roma.
      Con el triunfo del cristianismo, después del Edicto de Milán, se adotó el modelo de la basílica romana como lugar de culto, dado su caráter utilitario y público que permitía una gran concentración de personas. Un esquema arquitectónico se impuso: Planta rectangular con tres naves, la central más alta y amplia que las laterales y un espacio principal donde se ubicaba el altar. Las naves estaban separadas por una fila de columnas coronadas de arcos y primeras basílicas que se conservan están la de San Juan de letrán, la de San Pablo Extramuros y la de Santa Sabina, en Roma.

      Arte Bizantino. En el año 330, Bizancio se decreta como sede del gobierno impirial romano por disposición del emperador Constantino, debido a la estratégico ubicación geográfica de esta ciudad entre Europa y Asia. Allí se promovió un intenso intecambio económico, cultural y comercial. El éxito económico del mercado, la importancia dada a la nueva religión, el sentido práctico de los romanos yb el refinado lujo oriental influyeron considerablemente en la cultura y en el arte del Imperio de Oriente.

     
      El arte bizantino se inició en el siglo IV d.C. y sé extendió hasta mediados del siglo XV, cuando la capital fue tomada por los turcos, Bizancio cambió su nombre por el de Constantinopla, en homenaje al emperador Constantino y hoy se llama Estambul.


      Arquitectura Bizantina.
      Mientras que en Occidente se seguían construyendo basícas cristianas de planta rectangurar, en Oriente la construcción de las iglesias incorporaba algunos cambios: Planta de cuz cuadrada, juego de cúpulas y semicúpulas, tres ábsides en la cabecera y rica decoración interior a base de mosaicos e iconos. Pero sobre todo, a nivel técnico se incorporan un novedoso sistema de construcción, basado en el equilibrio de fuerzas descendientes ejercido entre las diferentes partes de la cubierta, desde la cúpula central a las semicúpulas y de éstas a los contrafuentes.
      En este sistema la cúpula descansa sobre Pechinas, triángulos curvilíneos que equilibran el peso entre la cúpula y las partes inferiores del edificio. El uso de columnas de apoyo, bóvedas de cañon o de aristas y cúpulas sobre pechinas, constituyen los principales elementos constructivos. Además de Santa Sofía, quedan como testimonio las basílicas de San Apolinar del Puerto y San Vital en Rávena y las de San Sergio y San Baco, en Constantinopla.

Basílica de Santa Sofía. Plano y corte. Cúpula eferica, Cúpula semiesferica.
       Esculturas Bizantina.

      La escultura no tuvo un desarrollo destacado en Bizancio. En los primeros siglos se trabajó el relieve en los característiocos capiteles de pirámide invertida. También proliferaron las tallas en marfil de pequeñas imágenes y objetos litúrgicos, Los motivos más abundates recogen figuras de animales, elementos vegetales estilizados y formas geométricas. El esmalte y el repujado en metal aplicado a piezas de orfebrería fueron también técnicas apreciadas por los artistas bizantinos.

      Pintura, Mosaicos e Iconos.

San jorge y el dragón Icono de Ruso pintado en 1504 por Rafael
      La pintura mural, el mosaico y los Iconos determinan los formatos esenciales de la pintura Bizantina, aunque no siempre fue permitida la representación de imágenes religiosas. A pesar de la cantidad de Imágenes destruidas durante el período iconoclasta y por intervención de los musulmanes, se conservan excelentes ejemplos de pinturas, mosaicos e Iconos. Los temas ilustran pasajes biblicos, santos, gobernantes y religiosos.

Pintura murald de San Jorje matando el dragon
del Siglo XIII en la capilla de la emcomienda
templaria Francia
      Las figuras son estilizadas, alargadas y siguen rígidas normas convencionales. Sobresalen los pliegues acusados y lineales de los trajes y la fuerza expresiva de los rostros. Los colores son planos y las composiciones, simétricas, carecen de perpectiva. En los Iconos y mosaicos destacan los fondos dorsdos y los colores vibrantes.

      Entre los mosaicos de este período sobresale el Justiniano y su séquito, donde el emperador aparece acompañado de Maximiliano, obispo de Ravena. Este mosaico no relata un acontecimiento historico, puesto que Justiniano nunca visitó Ravena y aparece aquí como un joven, sino que tiene como propósito ofrecer un retrato simbólico y convencional de la importancia del emperador o Basileus. Su figura desmaterializada transmite una sensación más espirital que realista.

      Unidad 9 Arte Románico y gótico.

File:Cathedral of Pisa (2004-11-13).jpg
La Basílica de Piza con la Torre Inclinada de Piza.
la Catedral de Santa Mária Sunta.
      Catedral de Pisa y su célebre Campanario, la Torre inclinada, fueron construidas durante el siglo XI y se reconocen como dos de las obras más representativas del arte románico. La galería de columnas y arcos de medio punto superpuestos le dan un dinamismo visual que disimula la simetría de su estructura. La inclinación de la Torre se debe a una falla de movimiento progresivo del terreno donde está levantada la obra.

Torre di Pisa.jpg
Torre inclina de Piza.
      Instituciones internacionales e italianas han hecho investigaciones geológicas y complicados trabajos técnicos para controlar el hundimiento de la estructura y salvar una de los edificios más famosos de arte Universal. Ambos monumentos están hechos en mármol.

       La pureza de las formas, la simplicidad de las líneas y la monumentalidad de los volúmenes destacan como características relevantes de la arquitectura románica.







      Del Arte románico al gótico.

      Con el nombre de arte románico se distinguen todas las expresiones culturales surgidas en los antiguos territorios del imprio romano después de que éste perdió su unidad política. Para ese período el arte había perdido su carácter genuinamente romano ya que sólo se inspiraba en sus formas, por eso recibe el nombre de románico. Surge entre los siglod XI y XIII favorecido por las órdenes religiosas de Cluny y Cister y por influencias provenientes del arte árabe español, las tradiciones cristianas y bizantinas. El monasterio se impone como edificación característica de este estilo. Posteriormente entre los siglos XII al XV aproximadamente, en las mismas regiones donde se desarrolló el románico, floreció el arte gótico.

      Arte Románico

        Arquitectura.

       Entre los elementos constructivos carecterístico de la arquitectura románica están el arco de medio punto. Las bóvedas de medio cañón o cañón seguido, columnas gruesas y macizas contrafuertes. Los muros de las iglesias y monasterios románicos son espesos y a veces reforzados por contrafuertes, elementos que debían resitir el peso y el empuje de las bóvedas y techumbre.

       Las columnas presenta varias formas, pueden estar exentas, adornadas o formando un haz en torno a una pilastra. El capitel de las columnas se aprovecha para esculpir relieves con signos y símbolos alusivos a la iconografía cristiana.

      La planta de las iglesias románicas se desarrolla como una evolución de la basílicas paleocristianas, generalmente tiene tres o cinco naves longitudinales y una nave transversal dispuesta en forma de cruz la tina. El área donde se cruzan las naves se llama crucero y está techado por una cúpula.

       La decoración de las iglesias románicas es más rica en las portadas o fachadas, donde destacan el rosetón y el frontón decorados con relieves. El conjunto arquitectónico se presenta con la misma textura y color natural de los materiales. Las edificaciones románicas tienen pocos espacios que pertan la entrada luz, lo cual les da un caráter místico y sombrío.

      Aparecen los Campanarios, que son una invención románica. Para el artista románico el único creador es Dios. Por eso, las obras tienen un carácter anónimo, es decir, no están firmadas por sus autores. Entre las principales edificaciones románicas destacan la catedral de Santiago de Compostela (España), San Pedro de Moissac y la iglesia de Vezelay (Francia), la catedral Bautisterio y Torre inclinada de Pisa (Italia).

      Escultura y Pintura.

'Catedral de Chartres'
Este portal tiene como anunciación de la Navidad.
anunsio del nacimiento del niño DIOS.
       La escultua románica se desarrolló en función de la arquitectura como soporte decorativo de tímpanos, pórticos y capiteles. Las figuras son rígidas, estilizadas y notablemente expresivas. Se organizan en composiciones simétricas adaptadas a los espacios arquitectónicos. Los temas son cristianos complementados con formas exuberantes y estilizadas, inspiradas en la naturaleza. Altares, capiteles y fachadas reproducen en relieve una rica iconografía cristiana con base en personajes y símbolos bíblicos y litúrgicos.

File:Majestat Batllo, 12th century.jpg
Cristo en Majestad. Siglo XII Museo de Arte de Cataluña de Batlló
      La pintura románica se concentra en frescos realizados sobre las paredes interiores de las iglesias, con el propósito de favorecer un ambiente espiritualmente sobrecogedor. Se utilizan colores planos y trazos gruesos de gran fuerza expresiva, Las figuran están construidas con detalles y elementos esenciales, es decir, son mas estilizados y convencionales que relistas. Se caracterizan por ser hieráticas y de profundo simbolismo.

      Arte Gótico

      Arquitectura.
     
      El arte gótico se corresponde con los cambios en la forma de vida y en el pensamiento religioso que ocurren en la Baja Edad Media, cuando crecen las ciudades, los artesanos se consolidan como una importante clase social y se fortalece el comercio urbano. La religión hace énfasis en el aspecto intangible del espíritu de Dios, que llena con su luz el espacio de iglesia. El surgimiento de las universidades es otro de los grandes logros de la Edad Media.



'Catedral de Chartres'      This is how it looked the first year (except that the apse from the old church, not included in this drawing, was still intact and would not be torn down until 1197-8. This was done so services could continue.)
      Este es el aspecto que tenía el primer año (excepto que el ábside de la antigua iglesia, no se incluyen en este dibujo, estaba intacto y que no sería derribada hasta 1197-8. Esto se hizo para que los servicios podrían continuar.)


'Catedral de Chartres'      The first new construction, after clearing the rubble, was to make additions to the old crypt. Transept entries and four new chapels were added to this crypt.
      La nueva construcción en primer lugar, después de limpiar los escombros, era hacer adiciones a la antigua cripta. Entradas de crucero y cuatro capillas nuevas se han añadido a esta cripta.


'Catedral de Chartres'      Here's how it would look in the first year (except for the apse of the old church, not included in this drawing, which was still intact and would not be demolished until 1197-8.Esto was so that services could be held .
      Así es como se vería en el primer año (excepto por el abside de la vieja iglesia, no incluído en este dibujo, que aún se encontraba intacto y que no sería demolido hasta el 1197-8.Esto fue así para que pudieran celebrarse los servicios.

'Catedral de Chartres'       Before the soil was leveled, new foundations were added to the new pillars.
       Antes de que el suelo estuviese nivelado, nuevos cimientos fueron añadidos para los nuevos pilares.








'Catedral de Chartres'       In 1197-8, the ground was leveled the transept and new pillars were started. Started clearing the apse as soon undertake the work of the head.
       En el 1197-8, el suelo fue nivelado del transepto y los nuevos pilares fueron comenzados. Comenzaron a desmontar el abside pues pronto emprenderían la obra de la cabecera.

'Catedral de Chartres'      This is how it will look like the cathedral in 1198. The location of the organ and the steps of the transept and the jambs and walls were already underway. In a separate building, the south portico statues spitting. The following year the Northern statues and the choir would begin to perform.
      Así es como se vería la catedral en el 1198. El lugar del órgano y las escalinatas del transepto, así como las jambas y los muros ya estaban en marcha. En un edificio separado, las estatuas del pórtico sur se escupían. Al año siguiente las estatuas del norte así como el coro se comenzarían a realizar.


'Catedral de Chartres'      More geometry would be necessary to obtain the final form of the apse as they had just decided to build a double ambulatory instead of the initially planned only. Once established, it would set the foundations of the pillars of apse. While the walls and pillars of the ship would rise rapidly. In the transepts, were also with the steps and walls. The crypt and the floor would be covered and the choir, altar and apse would have ended. The famous maze would be 1200.
       Más geometría sería necesaria para obtener la forma definitiva del ábside pues se acababa de decidir construir una doble girola en lugar de la única planeada inicialmente. Una vez establecido, se establecerían los cimientos de los pilares de ábside. Mientras los muros y los pilares de la nave se elevarían rápidamente. En los transeptos, también estaban con las escalinatas y los muros. La cripta ya estaría cubierta y el suelo del coro, altar y ábside se habrían finalizado. El famoso laberinto se pondría en 1200.


'Catedral de Chartres'      The capitals are placed on top of the pillars, setting the height of the ships. Would tie bars between the walls and pillars of the nave also begin to build the formwork to build the arches. All South statuary would be completed towards the 1202-05 and would slowly dropping.
      Los capiteles se colocan encima de los pilares, fijando la altura de las naves. Barras se empatarían entre los muros y los pilares de la nave Asimismo se comienzan a construir las cimbras para construir los arcos. Toda la estatuaria del sur estaría terminada hacia el 1202-05 y lentamente se iría colocando.

'Catedral de Chartres'       They have finished the vaults of the aisle. The vaults and arches are in different states in the ambulatory. The north portico statues are mounted in this time frame.
      Se han terminado las bóvedas de la nave lateral. Las bóvedas y arcos se encuentran en diferentes estados en la girola. Las estatuas del pórtico norte se montan en este plazo de tiempo.


'Catedral de Chartres'      The arches of the ambulatory and the buttresses are set and begin to put.
      Los arcos del deambulatorio ya están puestos y los contrafuertes se comienzan a poner.

'Catedral de Chartres'      In 1209, the roof gutters to have begun and completed clerestory level focusing now on the clerestory. The roof has been installed on the streets at the height of the clerestory.

      En el 1209, los canalones para el tejado se han comenzado y el nivel del triforio se completa centrándose ahora en el claristorio. El techo ya se ha instalado en las calles a la altura del triforio. 


'Catedral de Chartres'      The roofs cover the chapels and flying buttresses. By 1217, all first-level flying buttresses are complete.
      Los techos cubren las capillas, así como los arbotantes. Hacia el 1217, todos los arbotantes del primer nivel se han completado.






'Catedral de Chartres'       It begins west transept rose window. In 1220, they put the centering for the arches of the nave. In 1221, an arc is finished and put the centering of three more.

       Se comienza el rosetón del transepto oeste. En 1220, se ponen las cimbras para los arcos de la nave central. En 1221, se termina un arco y se ponen las cimbras de tres más.


'Catedral de Chartres'       The ship already vaulted roof. All wires are finalized and falsework for higher arches are ready and flying buttresses.

       La nave ya está abovedada y techada. Todos los arcos están finalizados y las cimbras para los arcos más altos están listas así como los arbotantes. 



'Catedral de Chartres'      The buttresses above is already ready. The south rose window and the roof has begun high on the cruise. In 1225 the interior structure is finished. In 1226 the apse is roofed and is undertaken of the transepts. At this point, should have little money and enthusiasm that it took 10 years to complete the arches on the south side. (1236) and another 8 in the North (1244). No techarían not be completed until 1270 towers. The right half of the tower was not until 1506 stone finish off and flamboyant style.

       Los arbotantes superiores ya está listos. El rosetón sur ha comenzado y el techo elevado sobre el crucero. En 1225 la estructura interior se halla terminado. En 1226 el ábside se techa y se emprende el de los transeptos. Llegados a este punto, debía haber poco dinero y entusiasmo por que se tardaron 10 años en finalizar los arcos del lado sur.(1236) y otros 8 en el del norte(1244). No se techarían ni se completarían sus torres hasta 1270. La mitad de la torre derecha no se remataría en piedra hasta 1506, ya en estilo flamboyante.


'Catedral de Chartres'      Treatment of jamb figures shows especially instructive so the result of the evolution of Gothic sculpture in the middle of the century.

       El tratamiento de las figuras de las jambas nos muestra de modo especialmente instructivo el resultado de la evolución de la escultura gótica en la mitad de siglo.




      Escultura y vitrales.


'Catedral de Chartres'
Mía en el trono de Dios, debajo la Utima sema.
Jesus en el Sepulcro.
      La escultura gótica se encuentra sólidamente incorporada a la arqiutectura, tanto en su parte interior como exterior, en algunas fórmulas particulares como estauas columnas, tallas exentas, relieves en tímpanos, nichos y capiteles. Como materiales se utilizó  la piedra, la madera y el marfil. Las figuras tienen una apariencia esbeltes y elegante, de poses graciosas y espontáneas. La movilidad se logra por medio de los amplios y dinámicos ropajes de pliegues ondulantes. Las figuras muestran actitudes y sentimientos humanos, como la dulzura de las Virgen o el sufrimiento de Cristo, a diferencia del hieratismo y gravedad expresiva de las esculturas Románicas.

      La relevante de la muerte en la Baja Edad Media acredita el desarrollo de la una abundante iconografía y la ejecución de sepulcros monumentales con la imagen del difunto escultida en su parte superior, ya sea en forma sedente, vacente o en oración.

      En la época gótica adquiere importancia la decoración de los altares con baldaquinos y retacomo un elemento arquitectónico colocados detrás del altar principal, con ricas pinturas y esculturas.

      Los vitrales destacan como una de los elementos más característicos del arte gótico. Su técnicas consiste en unir vidrios de diferents tamaños, formas y colores mediante tiras de plomo, organizados de tal manera quepermitan representar figuras y detalles. En ellos se despliegan como temas principales escenas religiosas, bordeadas de orlas con motivos geométricos o vegetales estelizados.


 
      Simbolismo del arte Gótico.
 

Retablo de la vida de la Virgen y de San Francisco
Retablo de la vida de la Virgen San Francisco. León.

       El arte gótico, cultivado en un ambiente profundamente religioso, adquiere un ríco simbolismo en sus formas, estructuras y colores. La planta en fprma de cruz latina, los tres ábsides y las tres ventanas simbolizan el misterio de la Santísima Trínidad. La girola, con sus capillas absidiales, remite a la corona de espinas y el misterio de la glorificación. Las tres naves con sus tres puertas también alluden al número tres, número perfecto que simboliza a Dios. La verticalidad de las catedrales sugiere el ascenso del alma humana hacia Dios.
Vitral con Palabras Biblicas y referencias Biblicas.
 
      La claridad y el colorido de los vitrales hacen referencia a las palabras de Jesucristo: "Yo soy la Luz del Mundo". Los colores de pinturas y esculturas tienen también un profundo simbolismo cristiano e iconográfico, donde cada color tiene relación con ideas biblicas o teológicas.
 
 
      La Miniaturasy el esmalte.
 
Arqueta Islámica (taller de cuenca) Con esmalte románico
Museo de Burgos.
      Además de la elevada arquitectura y las alargadas esculturas realizadas por los artistas cristianos del período románico y gótico, se desarrollaron otras formas expresivas de ámbitos más reservados, vinculados a valores artesanales de precisión y detallismo, que complementaron la ornamentación de piezas y objetos y sirvientes como vehículos para expresar la estética y la religiosidad de la época.
 
      La Miniatura.
 
      Con el nombre de miniatura se conoce un tipo de pintura con la cual se decoraron los manuscritos y los libros de oraciones y cantos usados en la liturgia medieval. Su nombre deriva del término minio o color rojo predominante en estas decoraciones. Sin embargo, el término se aplica a cualquier pintura o esmalte de pequeñas dimensiones sobre cualquir soporte. Los temas pintados generalmente son retratos, escenas bíblicas, animales fantásticos y estudios naturales, realizados con extraordinaria delicadeza.
 
       En este tipo de obras contrasta el tamaño minúsculo de las representaciones con la exquisita precisión de los detalles. La difusión y preponderacia de la pintura de manuscritos, documentos copiados a mano, generalmente sobre pergamino y realizada con técnicas diversas, fue vasta en la Edad Media, especialmente entre los siglos XIII al XV. En esta época ser puede decir que la miniatura alcanzó su máximo esplendor, reflejado en el excepcional refinamiento de sus acabados.
 
      Las miniaturas aparecen al principio o intercaladas entre los textos y consistían en representaciones gráficas que ilustraban un pasaje determinado. La minuciosa labor de los copistas se realizaba en los monasterios, donde se iluminaban libros principales como La biblia, en partes importantes de sus capítulos; los salterios (libros de coro o con salmos religiosos) y los Libros de Horas, que contenían oraciones que se rezaban a distintas horas del día.
 
Cantigas; Alfonso X el Sabio
Como se observar miniatura.
      Estas oraciones estaban relacionadas con la vidad de Cristo o de la Virgen, con el oficio o rezos de difuntos y oraciones a los santos. En muchos casos los Libros de Horas tenían miniaturas referidas a los astros, a los oficios o a la vida de la corte. En las miniaturas o arte miniatura la iconografía era ingenua y elemental, los colores sencillos pero intensos. Las composiciones y los elementos de la pintura revelan detalles de la arquitectura, del vestuario, del mobiliario y de los objetos de su tiempo.
 
      El Esmalte.
 
      Con el nombre de esmalte se conoce la pintura, generalmente de pequeño formato, resuelta con polvos minerales, que sometidos a gran temperatura en el horno se vitrifican en diversos colores. El soporte de esta pintura suele ser una placa metálica, generalmente oro, plata o bronce la forma de aplicar los polvos minerales sobre estos soportes determinó los distintos tipos de esmaltes:
 
  • Esmalte alveolado o cloisonné: Los polvos minerales rellenan pequeños alvéolos (celdillas o pequeña cavidad) formando por tabiques de hilos metálicos que configuran dibujos.
  • Esmalter excavado o champlevé: el esmalte cubre las celdillas, rehundidas en el metal por medio de un cicel.
  • Esmalte pintado: Se aplica el polvo mineral después de haber pintado el esmalte y luego se introduce en hornos.

      Durante la época gótica, los esmaltes al igual que la orferbrería alcanzaron considerables de sarrollo y fueron empleados en la decoración de cálices, cruces, joyas y relicarios. Entre los esmaltes más famososos se acreditan los de Limoges, ciudad francesa donde aún se conserva la tradición de su calidad y belleza.

      Unidad 10 Manifestaciones plásticas del Renacimiento.

File:Il Duomo Florence Italy.JPG
Catedral de Florencia.
Cúpula
      Catedral de Florencia recúne dos de los elementos más significativos de la arquetectura renacentista del siglo XV: el campanario y la imponente cúpula. El equilibrio, la proporción de las partes y la majestuosidad de todo el edificio ha justificado que esta obra sea considerada "joya de la humanidad". La cúpula está constituida por una estructura interna que la hace semiesférica en su interior y peraltada en su exterior. La parte de abajo encaja en la estructura superior, lo que le ofrece mayor altura y elegancia. Su base está rodeada de aberturas circulares llamadas "ojos de buey" y se encuentra rematada por una torrecilla llamada linterna con su cupulín, por donde entra la luz que ilumuna la decoración de la parte interna de la cúpula.
 
      Renacimiento: Humanismo y clasicismo
 
La Piedad. Miguel Ángel buonarroti. Siglo XVI.
Basílica de San Pedro. El Vatícano.
      El Renanacimiento está considerado como una de los períodos culturales más importantes de la humanidad. Se empezó a dessarrollar en Italia desde el 1400 aproximadamente; se consolida durante el siglo XV (Quattrcento) y alcanza su maximo desarrollo durante el siglo XVI (Cinquecento). El Renacimiento se difundió por toda Europa y actualizó las ideas, las formas y exprexiones de la antigüedad Clásica, pero desde una persperctiva humanista. Es decir, valorando la acción creativa y expresiva del hombre como centro de una nueva concepción de la cultura. La obra de arte se estima por sí misma y se considera una elaboración racional capaz de proporcionar placer sensible e intelectual. Se firman las obras de arte y los artistas se esfuerzan por obtener un estilo personal. El Quattrocento se convierte en el siglo de la experimentación y de la reflexión teórica.
 
      El esplendor y máximo desarrollo del Renacimiento se da XVI o Cinquecento. Roma, bajo el mecenazgo de los papas se convierte en centro del arte europeo. Es la época de los genios: Bramante en arquitetura, Miguel Ángel en escultura y pintura, Rafael Sanzio y Leonardo de Vinci crean obras pictóricas de reconocimiento universal.
 
      El renacimiento
 
      Aspectos Generales.
 
      Recibe el nombre de renacimiento el periodo historico que se sucedió en Occidental durante los siglos XVI y XVI. Se desarrolló en tres grandes etapas: Bajo Renacimiento (siglo XV o Quittocento), Alto Renacimiento (primera mitad del siglo XVI o Cinquecento) y Manierismo o útimo Renacimiento (segunda mitad del siglo XVI) Los artistas se inspiranron directamente en modelos de obras greco-romanas a la vez que valoraron la exaltación que los humanistas hicieron de la mitología y la literatura clásica. Las obras de pintura y escultura eran verdaderos estudios de la naturaleza, de acusado realismo en sus formas y expresiones.
 
San Francisco expulsando a los
demonios. Giotto. sigloXIV.
      Se impone la individualidad como sello de creación estético, aspectos que se opone al carácter anónimo de la Edad Media. Se inician las escuelas artísticas: grupos de pintores con caracterrísticas comunes en sus obras por influencia de un maestro, la tradición de una región o las ideas del momento.
 
      El humanismo soporte ideológico del Renacimiento, promueve una forma de pensar, que estimula el desarrollo de las capacidades humanas mediante el analisis racional de la cultura antigua. La cultura renacentita es antropocéntrica, es decir, que gira en torno al individuo, al hombre y no en torno a Dios (teocéntrica) como era en la Edad Media. Se inicia también el coleccionismo de obras de arte, con base en cristerios de calidad. Se valora y estimula la integración del conocimiento entre áreas humamísticas y científicas. Se le da importancia a la reflexión, dejando atrás el sentido místico y visionario que prevaleció en las explicaciones de los hechos durante la Edad Media. Todos estos aspectos constituyen la esencia del persamiento que se expande en la cultura de la Edad Moderna.
 
      Pintura Prerrenacentista

La Crucifixión. Masaccio. Siglo XV.
      La pintura renacentista de comienzos del siglo XV recibe el nombre de prerrenacetista ya que se encuentra asociada al útimo período del gótico. Se aplicó considerablemente en la ornamentación de capillas, iglesias, altares y libros de horas. Los temas eran religiosos y presentan una indiscutible infuencia bizantina en su acabado: las composiciones simétricas con paralelismo de las figuras, fondos dorados, detales liniales en vestidos y expresiones. Sin embargo, a fines del siglo XV varios fueron los pintores que modificaron estas características al sustituir el fondo dorado por paisajes, el paralelismo compositivo por disposiciones más asimétricas y el hieratismo por gestos más expresivos y humanos. Entre los pintores más importantes están: Giotto, Fra Angélico, Beticelli y Masaccio.

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El jardin de las delicias. El Bosco. Museo El Prado.
      La importancia de la pintura prerrenacentista radica en que los pintores se inspiraron en la naturaleza dentro de una representación idealizada y expirimentaron con perspectiva como una manera de comprender la realidad del espacio. Desde el punto de vista formal, dominan las composiciones armónicas, equilibradas con figuras insertars en esquemas geométricos.

      Pintura renacentista.

      Características Generales.

Cristo muerto. Andrea Mantegna. Siglo XV. Milán.
      El esplendor de la pintura renacentista se desarrolla durante el siglo XV. Los temas religiosos se interpretan con mayor espontaneidad, los detalles se hacen más precisos y los personajes adquieren expresiones más realistas. Técnicamente se estudian los efectos de luz y sombra y se perfecciona una dimensión del volumen. Se perfeccionó la perpectiva lineal, es decir, la fórmula más exacta para representar el espacio y la profundidad, mediante la inclusión de formas arquitectónicas en el fondo de los cuadros.

      Se inventó el óleo, a comienzos del siglo XV. Se inicia la pintura de caballete: pinturas sobre telas, maderas o láminas de cobre que podrían ser transpotadas. Predominan los géneros del retrato y el desnudo, resuelto como esculturas proporcionadas entre paisajes, espacios de escenografía arquetectónica o composiciones organizadas en círculos, cuadrados y diagonales. En las primeras décadas del siglo XVI coincidieron en Roma los tres pintores más importantes del Renacimiento: Leonardo de Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Ángel Buonarrotti.
Leonar da Vinci


La Virgen de las rocas.
Leonar da Vinci
      Leonardo da Vinci (1451-1519). Representó el idal del "hombre universal" por su dominio de diferentes áreas del saber. Como pintor se interesó por el estudio de la anatomía, la expresión de los estados de ánimo y la creación de ambientes sugerentes.

      Creó el sfumato (contornos vagos y difunminados) para dar una atmósfera de distancia y misterio a sus pinturas. Entra sus obras destancan La Virgen de las rocas, La Última Cena y su obra combre La Gioconda.

La Última Cena. Leonar da Vinci










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La Gioconda. Leonar da Vinci.
    
     





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Rafael Sanzio



Rafael Sanzio (1483-1520). Se destaca como el pintor de las composiciones equilibradas y la expresión serena de los personajes, tal como se aprencia en su madonnas o vírgenes.


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La Escuela de Atenas. Rafael Sonzio.



      Una de sus obras más conocidas es el freco La Escuela de Atenas,Pintura en el Vaticano. La escena se desarrolla en el telón de una arquitectura inspirada en Bramante; aparecen sabios de la antigüedad reunidos en torno a Platón y a Aristóteles. Rafael fue un excelente retratista y un destacado dibujante.


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Miguel Ángel.
      Miguel Ángel (1475-1564). Se considera el artista más importante de todo el Renacimiento: arquitectura, escultor, pintor y dibujante. Su principal obra pictórica se encuentra en la Capilla Sixtina del Vaticano. El Juicio Final y el cielo de La cración desde Adán y Eva hasta Moisés.

     




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El Juicio Final. Miguel Ángel
Vaticano. Roma.


      Ubicó los personajes en una arquitectura simulada; las figuras poderosas, musculosas y volumétricas imitan esculturas pinturas. En Juicio Final se incoporan trescientas figuras de potentes anatomás y rebuscados escorzos de difíciles y variadas posturas corporales. escena se desarrolla en el aire, sin profundidad, en torno a la figura de Cristo Juez.




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Detalle de Maria y Jesus de la obra "El Jucio Final"
      A mediados del siglo XVI, se modifican y se enriquecen los principios de equilibrio y serenidad clásicas. Surge entonces el manierismo, caracterizado por composiciones cargadas de elementos, intensidad cromática, tensión expresiva, dinamismo inquietante y libertad interpretativa de los temas. El manierismo desarrolló diversas tendencias como el alargamiento de figuras (Parmiggianino) y el manierismo fantástico (El Bosco). En otros países y regiones el manierismo alcanzó otras características y expresiones.
 
     
      Arquitectura Renacentista

      Caracteristicas Generales.
 
Basílica de San Pedro Cúpula de Miguel Ángel.
      El lenguaje arquitectónico del Renacimiento deja de lado las formas góticas para resaltar elementos inspirados en anquitectura romana y bizantina con variantes en la concepción del espacio, las fachadas y la oernamentación. Los muros se entrecruzan y son coronados por garndes cúpulas. Las plantas son de cruz latina y los elementos constructivos dominante son el arco de medio punto y las cúpulas. Las ventanas y los portales se cubren con frontones triangulares o semicirculares Se usaron columnas de capiteles clásicos, fustes lisos y agigantados. Los muros exteriores son cubiertos de mármol y decorados con piedras aparejadas en disposición almohadillada.
 
      Entre los arquitectos más importantes sobresalen Donato Bramante, autor del templete de San Pietro in Montorio y Miguel Ángel Buonarrotti, diseñador y ejecutor de la primera parte de la cúpula de la iglesia de San Pedro del Vaticano.
 
San Pietro in Montorio. Donato Bramante.
1502. Roma.
Interior del Templo San Pietro in Montorio.
Donato Bremate. 1502. Roma
       Donato Bramante (1444-1514). Además de pintror es uno de los más importantes arquitectos del Renacimiento. Su obra mas famosa es el templete de San Pietro in Montorio, erigido en Roma para conmemorar el lugar donde la tradición cristiana dice que fue martirizado el apóstol San Pedro. Se trata de un edificio circular como un tholos griegos, levantado sobre un basamento también circular. Su interior está cerrado rodeado por una columnata exterior, coronada de una cúpula con tambor y linterna, dos de los elementos arquitectónicos que son comunes a la mayoría de las cúpulas de este estílo.
 

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Filippo Brumelleschi
(1377-1446)
File:Brunelleshi-and-Duomo-of-Florence.gif      Filippo Brunelleschi (1377-1446). Fue un destacado arquitecto renacentista del siglo XV. Sus planteamientos arquitectónicos están apoyados en un profundo conocimiento del sistema constructivo gótico, investigaciones sobre perspectivos y un análisis de las ruinas clásicas romanas. Su obras más famosa es la cúpula de la catedral de Frorencia, la cual se convirtió en símbolo de la nueva época. Está realizada con estructura de cúpula nervada inspirada en la arquitectura gótica. Otras obras de Brunelleschi son el hospital de los Inocentes y la capilla de los Pazzi, ambas en florencia.

Palacio Rucellai. León Bautista
Alberti.
Estatua de León Bautista
Alberti.
       León Bautista Alberti (1404-1472). Otro reconocido arquitecto y teórico del Renacimiento del siglo XV. Se interesó por el orden simétrico del edificio con el fin de lograr armonía entre todas las partes de la construcción y se preocupó por asegurar una adecuada iluminación en los espacios. Una de sus obras significativas es el palacio Rucellai construido en Florencia, donde incorporó un sistema decorativo en la fachada de aparejo al mohadillas, es decir, mecliante la distribución de una serie de ladrillos que destacan el contraste entre luces y sombras. Utiliza también en la fechada la superposición de órdenes arquitectónicas: pilastras de orden toscano en la parte baja y capieles corrintios en los pisos superiores, que recuerdan la decoración exterior del clásico Coliseo romano.
 
 
      Escultura renacentista
 
      Característica General



Esculturas de Moisés, Raquel y Lia. Miguel Ángel Buonarroti.
      La escultura renacentista tiene sus antecedentes en la tallas románicas italianas. Se evidencia la relación con la escultura greco-romana en las figuras ecuertres, los retratos de personajes, el uso de expresiones realistas, la libertad en la composición y la precisión en los detalles. Durante el siglo XV destacaron dos escultores: Lorenzo Ghiberti y Donarto Donatello, en el siglo XVI sobresale Miguel Ángel Bauonarroti.

El sacrificio de Isaac.
Lorenzo Ghberti
      Lorenzo Ghiberti (1378-1455). Se destacó como escultor, orfebre, arquitecto y teórico. Su fama se inició cuando ganó el concurso para realizar las puertas de bronce del baptisterio de Florencia, cuyo tema fue el paraje bíblico del sacrificio de Isaac. En esta obra logró una perfecta intergración de los personajes y definidas composiciones en cada uno de los módulos que intergram la puerta.
 
 

San Jorge
Donato Donatello
      Donato Donatello (1386-1466) Está considerado como uno de los mejores escultores de la Historia del arte. Trató de que sus personajes ganaran expresividad psicológica y un sereno dramatismo. Entre sus obras más famosas están San Jorge y David. Anbas esculturas revelan un maduro dominio de la técnica escultóra en bronce donde contrasta el gesto de los jóvenes personajes con la profunda y serena reflexión que transmiten sus poses y actitudes.
 

      Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564). Admirado como el escultor más importante del siglo XVI, también se distinguió como pintor y arquitecto. un minucioso estudio de las estatuas greco-romanas que atesoraba la ciudad de Roma le ayudó a definir un estilo personal e inconfundible. En Florencia esculpe el David, obra realizada en 1501, donde resume sus aprendizajes de la estatuaria clásica y resalta la dignidad ético-religiosa del valiente personaje bíblico. La perfecta anatomía y la proporción del cuerpo han hecho de esta obra una de las más emblemáticas del Renacimiento.


Detalles de la Escultura de Moisés en el Año 1515.
Miguel Ángel Buonarroti.
       El Moisés, estatua sedente realizada en 1515, exhibe un perfecto estudio anatómico, un detallado tratamiento del ropaje y un impactante dominio de la técnica escultórico llamado esculpido. El Moisés se impone como la escultura central que acompaña el sepulcro del papa Julio II, quien fue su protector y mecenas. La enorme estatua, dos veces el tamaño natural, de formas robustas y enérgicas, transmite los sentimientos espirituales del personaje bíblico que recibió la Ley de Dios en el Monte Sinaí, Mientra sostiene bajo el brazo la "tablas de la ley" mira al infinito a la vez que ofrece un airado reproche al pueblo de Dios por su idolatría. Las luces y sombras se destacan en los detalles de ropaje, las barbas y la anatomía.




La Piedad. Miguel Ángel buonarroti. Siglo XVI.
Basílica de San Pedro. El Vatícano.
      Otra de sus obras maestras es La Piedad, conjunto escultórico de composición triangular, donde se revela el magistral dominio que alcazó Miguel Ángel en las técnicas del esculpido en mármol. La expresión del sentimiento de dolor que revela la Virgen María resalta junto al cuerpo inerte de Cristo. La vida y la muerte logran una sublime comunión en esta escultura emblemática del arte universal.

      Unidad 11 Manifestaciones plásticas del barroco

      Este grupo escultórico es la obra más famosa y admirada del importante escultor barroco, Gian Lorenzo Bernini. Se aprecia en ella el realismo del cuerpo, la expresión del rodtro y el efecto aéreo y dinámico de ropajes y nubes. La escena representada es descrita por Santa Teresa de Ávila. En su visión, un Ángel de cara bellísima, todo iluminado, le saca un dardo dorado, le saca un dardo dorado que, simbólicamente, le traspasa el corazón.



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Éxtasis de Santa Teresa. 1645-1652.
Gian Lorezo Bernini. Roma.
      Al retirárselo la baja "toda agitada en grande amor de Dios", como dijera ella misma Bernini logró el realismo más exquisito al esculpir magistralmente en mármal el pesado hábito de la monja, las nubes vaporosas, la tierra piel y la sonrisa enigmática de ángel adolescente. La dramática actitud de la inconsciencia total de la santa se acentúa en los ojos cerrados, los labios entreabiertos el movimiento abandonado de pies y manos. Es un ejemplo evidente del dramatismo escenográfico, el dinamismo envolvente y la exaltación de los sentimientos característicos del arte barroco.

      El ideal barroco

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El Descendimiento. Pedro Pablo Rubens.
hacia 1611-1614. Ólio sobre tabla
420 X 320 cm. Catedral de
Amberes.
       El barroco se afianza como un importante período cultural de Occidente que se desarrolla en Europa entre los siglos XVII y XVIII. Se originó en Roma, donde vivieron los artistas más famosos de esta época: Bernini, Borromini y Caravaggio, y se extendió por todas las regiones donde se expandió el Renacimiento. Como estilo artístico resulta difícil de definir dadas las diferentes exigencias religiosas, políticas, sociales y su diversidad se aprecia una serie de características y semejanzas que permite identificar la esencia de su lenguaje artístico. El barroco es el arte del movimiento y del sentimiento. Estuvo al servicio de la Iglesia y anular el pensamiento religioso protestante. Por eso se dice que el barroco es un arte propagandístico que difunde las ideas y conclusiones del Concilio de Trento, donde se concluye que las imágenes religiosas debían expresar realismo, piedad y convicción. La Iglesia encargó imágenes de santos y mártires para enseñar a los feligreses que el sacricio en este mundo se premia con la vida eterna en el Cielo. Paraletamente se impuso una nueva concepción urbanística de las ciudades.

      Mientras que el Renacimiento se interesó por la imitación de la naturaleza, el barroco se concentró en captar una nueva realidad basada en la ilusión y la ficción mediante impresionantes perspectivas, complicados escorzos, arquitecturas simuladas y dramáticas expresiones de los personajes.

      Arquitectura Barroca

      Características Generales

      La arquitectura Barroca emplea los mismos elementos constructivos y decorativos que se usaron durante el Renacimiento. Los transforma y enriquece hasta darles nueva forma y una manera distinta de integrarlos al conjunto. Las línias rectas de los frontones y cornisas se vuelven sinuosas y adornadas; las columnas se retuercen y reciben el calificativo de salomónicas; los arquitrabes se hacen curvos y las paredes destacan por un dinámico juego de formas entrantes y salientes que producen efectos de luz y sombra.

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Fontana de Trevi. Nicola Salvi. Roma.
      En la decoración de las iglesias se emplearon abundantes relieves, mármoles de colores, columnas clásicas y salomónicas y cornisas amplias y dinámicas. La cúpula se afirma como elemento arquitectónico característico y se enriquece con esculturas y detalles externos. En su interrior se decora con impresionantes pinturas de efecto ilusionista con irreales prolongaciones arquitectónicas y figuras aéreas que flotan entre nubes y cielo abierto. Se construyen iglesias y palacios, se diseñan jardines con formas diversas y se inicia la planificación urbana.

      El ilusionismo arquitectónico

      La arquitectura barroca está concebida para estimular el ilusionismo de los sentidos y despertar emociones. Para ello se vale de materiales de variados colores y texturas combinados con metales y elementos decorados que ofrecen la sensación de ostentación y riqueza. El balance rítmico de fachadas y muros se logra mediantes curvas y contracurvas.


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Catedral de Santiago de Compostela.
Fernando Casas. España.
      La abundante decoración con pilastras, cortinajes y motivos vegetales, ofrece un sentido escenográfico. Se utiliza una variedad de formas como columnas arquitectónicas, entablamentos curvos y columnas clásicas agigantadas.

      La abundante decoración con pilastras, cortinajes y motivos vegetales, ofrece un sentido escenográfico. Se utiliza una vanas arquitecturas, entablamentos curvos y columnas clásicas agigantadas.

      Entre los arquitectos más importantes están Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) con sus obras clave: la columnata de San Pedro, la iglesia de San Andrea de Quirinal y la Fuente de los Cuatro Ríos. Francisco Borromini (1599-1667) con edificaciones caracterizadas por el uso de la fatasía y elementos simbólicos. Su obras más famosa es la iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes.

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Columnata de San Pedro. Gian Lorenzo
Bernini. Roma.
      La arquitectura barroca alcanza amplia variedad en los distintos países europeos. En España se hacen ecléctica al fusionar elementos renacentistas con particulares interpretaciones de los elementos barrocos. Surgen estilos como el plateresco, llamado así porque su ornamentación recordaba el trabajo de los plateros en sus obras de orfebrería. El herreriano recibe el nombre por la familia Herrera, grupo de artistas que lo impusieron. Estos estilos se caracterizan por el empleo de formas arquitectónicas renacentistas recubiertas de abundante y compleja ornamentación. El estilo mudéjar, de influencia árabe, también coexistió en la arquitectura del período barroco en España. Este eclecticismo influirá notablemente en la arquitectura colonial hispanoamericana. 

      Escultura Barroca

       Característica Generales


Inmaculada Concepción.
Alonso Cano. Catedral
de Granada
      La escultura barroca tiene como rasgo distintivo diversidad tipológica: hay esculturas ornamentales, alegóricas, mitológicas, religiosas, conjuntos funererios y retratos. Se hace usa del mármol del que aprovecharon sus posibilidades cromáticas y texturas, y el bronce. Es unarte naturalista cargado de expresividad en los gestos, composiciones dinámicas, dramáticas y ritmo circular. Se exponen sensibles contrastes de luz y sombra. Interesa mucho captar la expresión y el sentimiento del personaje representado. Entre los escultores italianos sobresale Gian Lorenzo Bernini, autor de El Santa Teresa, Apolo y Dafne y el David. Otro es cultor destacado fue Stefano Maderno, autor de Santa Cecilia para la iglesia de Santa Cecilia en Trastévere, Roma.

      Gian Lorenzo Bernini (1598-1680). arquitecto y escultor barroco italanio, representante del movimiento y tensión de formas culvilínias. Se caracterizó por la elaboración de grandiosos monumentos funerarios,como los de los papa Alejandro VII y Urbano VIII. Se le atribuye la creación de la figura ecuestre barroca, en la cual el caballo se apoya en sus patas traseras para dar la sensación de movimiento.


Maderno0
Santa Cecilia. Stefano Mederno
      Stefano Maderno (1576-1636). Se formó en la estética del manierismo y dotó a sus obras de un realismo excepcional. Además de Santa Cecilia es autor de las esculturas de la capilla paolina en santa María Maggiore.



      Escultura Barroca Española



Cristo de la clemencia.
Martínez Montañés.
      La escultura del barroco en España se realiza primordialmente en madera policromada y aborda una temática religiosa. Las tallas de este período abundan en imágenes destinadas a ocupar un importante lugar en los espacios y ceremonias religiosas, especialmente en retablos dentro del templo y en pasos procesionales para ser expuestas en la calle y veneradas por los creyentes. Son imágenes de acentuado patetismo y dramatismo que pretenden presentar a Jesucristo y a los santos devorados por el sufrimiento místico.

      Básicamente estas esculturas adoptan los modelos de talla completa o imágenes de vistir, complementadas con aureolas, coronas, joyas y otros detalles. La escultura barroca española desarrolla nuevos tipos iconográficos de gran aceptación: Cristo yacente, Cristo en la columna, Ecce Homo, la Inmaculada, entre otros. Entre la cantidad de escultures españoles famosos destacan Gregorio Fernández (1576-1636), cuya influencia fue decisiva durante todo el siglo XVIII, de estilo realista, fuerte dramatismo y elocuente dominio de la técnica de la talla policromada.

      Entre sus obras están La Piedad y Cristo yacente. Otro escultor sevillano fue Juan Martínez Montañas (1568-1649), quien sabe unir la serenidad del realismo clásico y la expresividad del barroco. Es autor del Cristo de la clemencia y Juan Bautista. Entre los maestros andaluces se destacan Alonso Cano, autor de la conocida inmaculada Concepción de la catedral de Granada y Pedro de Mena (1628-1688), autor de la emotiva Magdalena pernitente. La escultura barroca española determinará la escultura colonial hispanoamericana en sus temas, ténicas e iconografía.
      
      Pintura Barroca

      Características Generales



      Las características más resaltantes de la abundate y variada pintura barroca se resumen en sus acentuados contrastes de luz ysombra, rostros y gestos expresivos, composiciones complejas y predominante de ritmos curvos. Los temas son variados: retratos, paisajes, acontecimientos históricos, escenas ética, temas mitologicos y pasajes bíblicos.

      En el interior de la cúpulas se representaron escenas celestiales de visiones efectistas, simulaciones arquitectónicas de complicadas perpectivas y figuras en complejos escorzos. La producción pictórica barroca fue de gran variedad y calidad entre los diferentes países europeos.

      Sin embargo, entre algunos de los pintores más representativos están el italiano Michelángelo erisi (1573-1610) conocido como Caravaggio, quien hace un dramático uso de luz y de los gestos con el propósito de genear emociones inmediatas.

      Su pintura crudamente realista se opone a todo idealismo. Exalta el uso de una variante del claroscuro, es decir, enfatiza los intensos contrastes entre oscuridad e iluminación en las escenas. Este procedimiento pictórico que hace surgir la figura de las sombras se llama tenebrismo. Entre sus obras más famosas están la Vocación de San Mateo, el Tránsito de la Virgen y Baco.



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Pedro Pablo Rubens 1577-1640
      Pedro Pablo Rubens (1577-1640), es uno de los pintores más grandes y prolíficos de todos los tiempos, ya que su influencia inmediata se extendió por todo el mundo europeo. Otro genial pintor barroco es Rembrandt Van Rijn (1606-1669) con un estilo reflexivo, un claroscuro efectista de luces intensas y atmóferas doradas.




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Las Meninas. Diego Velázquez. Madrid. Museo del Prado.
      Entre los pintores barrocos españoles destaca Diego de silva y Velázquez (1599-1660). Pinta con colores terrosos y cromatismo pastoso; sus figuras adquieren gran plasticidad y volumen. Abordó temas Religiosos, personajes de la familia Real Española. Sus obras conocidas son Las Meninas, Venus ante el espejo, La rendición de Breda y Los borrachos.

     

Immaculate Conception/La Inmaculada Concepción
Inmaculada Concepción.
Murillo. Sevilla.
      Francisco de Zurbarán (1598-1664) pintó temas mayoritariamente religiosos al igual que Bartolomé Esteban Murillo, quien utilizó figuras solemnes, composiciones serenas, humano intimismo y demostró un dominio sencillo pero firme de la técnica pictórica. Una de los tema más representados por Murillo es la Inmaculada Concepción, cuyo iconografia influirá notablemente en la pintura.


 



El columpio. Jean- Honoré Fragonard.
Londre
      El artebarroco a medida que se extendía por Europa, paralelamente iba desarrollando nuevos temas vinculados a la realidad y costumbres de cada país y su infujo abarcó otras expresiones artísticas como la cerámica, el mobiliario y la decoración. En Francia el barroco derivó en un estilo llamado rococó, de formas ágiles que ilustra el refinado y complaciente mundo de la seducción, el galanteo y el placer. Entre sus representantes están Antoine Watteau (1648-1721), Francois Baucher (1703-1770) y Jean-Honoré Fragonard (1732-1806).


      Pintura Flamenca del siglo XVII

      Las luchas políticas y religiosas que ocurreron en Países Bajos durante el siglo XVI trajeron notables consecuencias para el arte. Se separó Flandes, país católico, de las provincias protestantes de Holanda. Este acontecimiento tovo como consecuencia el surgimiento de dos grandes escuelas la flamenca y la holandesa.



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Las tres Gracias. Pedro Pablo Rubens.
      La escuela flamenca tuvo gran actividad durante el siglo XVII, cuando se consolidó el arte barroco. De aquí surge Pedro Pablo Rubens (1577-1640) uno de los pintores barrocos más imporatantes. Su pintura se caracteriza por la tensión de los temas, las dinámicas composiciones en espiral y diagonales, la riqueza colorística y la iluminación dramática. Estos componentes unidos a su talento artístico y dominio técnico le proporcionan un estilo firme y un sello inconfundible. Desarrolló grandes composiciones de temas religiosos y mitológicos, estos útimos con desnudos femeninos de carnes blandas y palpitantes. Entre sus obras están El Descendimiento y Las tres Gracias.

      También pertenece a esta escuela Antón van Dyck (1599-1641), el segundo artista más famoso de la pintura barroca flamenca. Fue discípulo de Rubens, Su estilo sobrio y elegante fue influenciado por los grandes maestros italianos.


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La ronda nocturna. Rembrandt van Rijn.
Ámsterdam.
      La escuela holandesa se caracteriza por dos cualidades básicas: la luz y la observación. La luz es difusa, fluida y matizada. La observación deja constancia de detalles de objetos, retratos y paisajes. Los maestros más destacados fueron Franz Hals (1580-1666), creador de retratos en grupos que con el tiempo se hicieron característicos de la pintura holandesa; Juan Vermeer (1632- 1675), Jacobo van Ruysdael (1628-1682) y Meindert Hobbema (1638). Pero la figura cumbre en Rebrant van Rijn (1606-1669) quien trató de representar diferentes vivencias humanas. Es considerado uno de los grandes maestros del claroscuro, pues la luz y la sombra son sus principales recursos expresivos, los cuales resaltan la profunda expresión espiritual y psicológica de sus personajes . Gran retratista, incluso se retrató varias veces a lo largo de su vida como un ejercicio de introspección. Pintó temas bíblicos, mitológicos y contemporáneos como La ronda norcturna.

      Influencia de la pintura Barroca Española en Hispanoamérica

      La pintura barroca española ejercerá una poderosa de la pintura colonial de Hispanoamérica durante el virreinatos americanos. Los temas mayoritariamente religiosos, los tipos de composión, la forma en que son tratados los detalles y el cromatismo dejarán su huella en obras pictóricas dl arte colonial.

      La escuela española de la pintura se consolidó durante el siglo XVII. El carácter riligioso ejerció gran peso en la selección de los temas y la finalidad de la pintura. La Iglesia concentró el encargo de obras religiosas como medios para fomentar la devoción y expandir las enseñanzas cristianas, Desde el punto de vista formal predomina el realismo derivado de las directivas dada por la Contrarreforma.

       Las características dominantes de la pintura religiosa colonial incluía la madera como sorporte, el uso del dorado aplicado con sellos para mantos, coronas y orlas, la presencia de ángeles como motivos y figuras centrales, cierta tosquedad en el manejo de la figura y la simbiosis con elmentos propios de cada región. Entre las escuelas de pintura más importantes  del Nuevo Mundo está la de Cruzco, Lima, Potosí, el Lago Titicaca y Nueva Andalucía.

       Arte colonial de Venezuela y Latinoamérica

     Casa de las Ventanas de Hierro, ubicada en el casco histórico de la ciudad de Coro, Patrimonio Cultural de la Humanidad, es la edificación civil más emblemática de la arquitectura colonial Venezolana. Fue erigida en 1765. Su cuerpo es de una sola planta y cuerpo es de una sola planta y exhibe cuatro ventanas salientes con rejas apoyadas en repisas.

      El metal de las rejas, importado desde Vizcaya (España), le dio el nombre popular a esta casa. En una ciudad donde todas las rejas se hacían de madera, debió aportar un significado de lujo y exclusividad, además de revelar una cómoda posición económica, el novedoso detalle constructivo.


Casa de las Ventanas de Hierro. Coro. Estado Falcón
fue construida en el siglo XVIII por
Don José Francisco Garcés de la Colina,
      El portal de la casa es un caso único en la arquitectura colonial del área del Caribe. En torno al arco de medio punto destacan flores y frutos de cacao, columnas adosadas y detallas ornamentales de influencia antillana. En su conjunto conviven elementos constructivos y decorativos de los estilos plateresco, gótico y antillano-holandés. Esta casa fue declarada Monumento Histórico Nacional por decreto oficial del 16 de marzo de 1960.

      La cultura colonial.

Casigua
Iglesia de Casigua. Estado Falcon
      Con el nombre arte colonial se conocen todas las expresiones artísticas, impulsadas bajo la influencia de España (y de portugal en Brasil), durante los siglos XVI, XVII y XVIII en las regiones que hoy ocupan los países hisponoamiricanos geográficas y la organización social de cada colonia fue desigual según el grado donde había existido un sólido sustrato precolombino y que luego alcanzaron la condición virreinato tuvieron un mayor desarrollo. Los centros más importantes fueron México, Perú y Ecuador, donde lainfluencia del arte barroco español, especialmente los estilos churrigueresco, herreriano y mudéjar, mezclados con elementos indígenas, configuraron un arte singular expresado enarquitectura, escultura, pintura y orfebrería. El arte colonial floreció bajo la influencia del barroco y las católicas de la Contrarreforma. La iglesia católica tenía interés en demostrar en las colonias su poder y grandiosidad, por eso el arte jugó un papel determinante para difundir las ideas religiosas a la vez que sirvío para combatir las ceencias y práticas de las religiones.

      El desigual desarrollo del arte colonial hispanoamericano debe valorarse tomando en cuenta la realidad de cada región, el empeño evangelizador que ponían los frailes misioneros encargados de llevar adelante esta "conquista de la fe" y la necesidades de dominio y control de los conquistadores.

      Arte colnial latinoamericano y Venezolano

      Arte colonial Latinoamericano

Catedral de Barcelona
      En un comienzo el arte colonial latinoamericano presentaba una notable influencia del arte medieval, especialmente del románico, como se aprecia en las anchas paredes y oscuros ambientes de fortalezas militares, conventos e iglesias. Posteriormente fue adoptando formas locales que modificaron los modelos españoles. Las fachadas de los templos se enriquecieron con abundante decoración y nichos con imágenes; las tallas de madera y los retablos adoptaron variedad de formas ernamentales y la pintura enriqueció su iconografía y colorido.

      Obras emblemáticas son la Catedral de México y la Catedral de Lima. La escultura tuvo importante desarrollo y fue inspirada en la primera imágenes traídas de Sevílla. Excelentes ejemplo de pintura, escultura y orfebrería se conservan en catedrales, conventos, museos y colecciones particulares.

      Arquitectura colonial en Venezuela

      La elemental economía de Venezuela durante la Colonia no permitió que se erigieran obras aquitectónicas monumentales y suntuosas como las de México, Perú, Ecuador y Colonbia. Sin embargo, las iglesias, conventos, casas y forticaciones militares presentan una unidad estilísca, una volumetría armónica, un altosentido funcional y un concepción del espacio sobria y sincera.

      Los materiales constructivos más empleados fueron el barro y la madera. Los principales tipos de construcciones son civiles, religiosas y militares. Las casas coloniales tenían una distribución espacial y una decoración muy similar: una sola planta y las habitaciones distribuidas alrededor de un patio central rodeado de corredores con arcos y columnas. Techos de teja a dos aguas, ventanas sobresalientes y fachadas decoradas con relieves completan las características constructivas.

      Ejemplo de esta arquitectura son la Casa de las Ventanas de Hierro (Falcón); La Blanquera (Cojedes); la Quinta de Anauco y la Casa Natal del Libertador (Caracas). La arquitectura religiosa está integrada por iglesias, catedrales, capillas y conventos. La arquitectura religiosa está integrada por iglesias, catedrales, capillas y conventos. Las iglesias son de planta rectangular donde se distribuyen tres naves separadas por arcos y columnas, con amplio presbiterio coronado por cúpulas de varieda forma. Al frente se levanta una torre campanario. Algunos ejemplos son la Catedral de Caracas, las iglesias de Píritu y de Clarines (Anzoátegui), La iglesia de San Juan Bautista (Cojedes) y la Catedral de Coro, única edificación del siglo XVI que queda en pie.

Castillo de Cumaná
El Castillo de San Antonio de la Eminencia es una fortificación construida en el
siglo XVII en la ciudad de Cumaná Estado Sucre.
Castillo de Cumaná
Torre del Castillo San Antonio.
      La arquitectura militar, representada por castillos y fuertes militares, obedeció a la necesidad que tuvieron los españoles de defenderse de los constantes ataques piratas y de embarcaciones francesas e inglesas. Por eso este tipo de construcciones se encuentra lugares estratégicos como costas y montañas. Algunos testimonios que hoy se conservan son el Castillo de San Antonio en Cumaná, el Castillo de San Carlos en Zulia, los fuertes de San Francisco y de San Diego, en el estado Bolívar y el Fuerte San Carlos Borromeo, en Nueva Esparta. Con el fin de preservar su valor arquitectónico, religioso o histórico, muchas construcciones de la colonia ubicadas en todo el país han sido declaradas Patrimonio Cultural de la Nación.

Castillo de Cumaná
Cañon de largo alcance - Culebrina.
 
      Pintura colonial en Venezula.

      Venezuela adquirió el rango de Capitanía General (1777) en la colonia, por eso no disponá de los recursos económicos ni tenían los virreinatos de México, Colombia y Perú. Esta situación influyó en el modesto desarrollo de la pintura, la escultura y la orfebrería.


Inmaculada Concepción.
       Las primeras pinturas fueron inspiradas en obras europeas que se conocieron por estampas o ilustraciones de los libros religiosos. La temática era fundamentalmente religiosa y de finalidad catequística, es decir, se usaban como recursos visuales para enseñar la fe católica. La pintura colonial se pintó sobre tela, madera y papel, aplicando el ólio y la témpera. La técnica del fresco fue prácticamente desconocida. Las obras se montaban en hermosos marcos labrados. Casi todas las pinturas son anónimas, de composiciones simétricas e iconografía convencional. Se distinguen unas pinturas sencillas y de trabajo elemental realizadas por aficionados y otras de mayor dominio de la técnica artística.

      El pintor más importante fue Juan Pedro López, abuelo de Andrés Bello. Su obra se destaca por un rico y bien trabajado cromatismo, por la proporción y elegancia en las figuras y el cuidadoso trabajo de detalles y texturas. Una de sus obras más importantes es la Inmaculada Concepción, que representa a la Virgen María Flotando entre nubes rodeada por ángeles que sostenen objetos y figuras relacionadas con las letanías marianas.

      Escultura colonial en Venezuela

      La temática de la escultura colonial en Venezuela estuvo vinculado a la historia religiosa. Las primeras imágenes para el culto fuenron traídas desde España, su forma técnicas e iconografía influyeron los sencíllos talleres que abrieron los misionesros. La producción principal estuvo dedicada a retablos, altares e imágenes talladas, de madera policromada con coronas, aureolas y otros atributos hechos en oro y plata. Con el propósito de darles mayor realismo y siguendo la tradición de la imaginería española, a estas imágenes se les colocaban pelucas, trajes a la medida, joyas y otros accesorios.

Virgen de la Asunción
Iglesia de Ntra Sra de
Altagracia, Caracas.
Foto Verónica Leyba
      Los procedimientos empleados se pueden agrupar en cinco: imágenes de talla completa, cuando rostros, manos y trajes están tallados en la madera que luego era policromada; imagen de vestir cuando solamente tenían talladas el rostro y las manos y eran vestidas con trajes y accesorios verdaderos. Este tipo de imágenes tenían poco peso, para sacar en procesiones; imagen de tela encolada, cuando se les tallaba el rostro y las manos y el traje se les "moldeaba" con telas engomadas y pintadas, a las que se les daban la forma de los pliegues; imagen de relieve, cuando sólo se tallaba un lado de la tabla y también se coloreaba; imagen de bottella o de abridera, una especie de tríptico unido con pequeñas bisagras que cerrado adquiría la apariencia de una botella.

      Especial atención merece el estudio de la orfebrería colonial en Venezuela. Continuó la tradición estilística europea pero logró un valioso desarrallo y creatividad como lo comprueban las custodias, cálices, accesorios, jerras, platos, sagrarios y otros objetos litúrgicos. El arte colonial en su conjunto constituye una de las más hermosas y significativas expresiones del patrimonio cultural de Venezuela.

      Unidad 13 Manifestaciones plásticas de Venezuela en el siglo XIX

      Esta pintura es quezá la obra más famosa de Arturo Michelena y a la vez una de las más emblemáticas del arte venezolano del siglo XIX. Representa al prócer Francisco de Miranda encarcelado en la prisión española La Caraca, en Cádiz. Este cuadro fue encargado por el presidente de la República Joaquín Crespo 1896, cuando se cumplían 80 años de la muerte de Miranda. Ese año se dedicaron cinco días para festejar la memoria del precursor de la Independencia. El escritor Eduardo Blamco, sirvió como modelo al artista.


Miranda en La Carraca. Arturo Michelena. 1896. Venezuela.
Galería de Arte Nacional. Caracas.
      La expresión resignada pero firme, los libros en la habitación y el traje cosmopolita confirman sus privilegios como hombre de importancia militar y cultural que tuvo una notable participación en la Revolución Francesa. Miranda fue encarcelado porque admite la capitulación que ocasionó la pérdida de la Primera República, gesto que fue interpretado como traición. Artísticamente la obra revela un dominio magistral de dibujo, la técnica pictórica y la composición de formas, luces y sombras.



      Arte venezolano del siglo XX


File:PalacioLegislativo2.jpg
Palacio Legislativo. (Capitolio).
Luciano Urdaneta. Caracas Venezuela
       Durante el siglo XIX la mayoría de los países latinoamericanos comenzaron a organizarse en replúblicas independientes. Paralelamente se inicia una renovación artístca inspirada en los movimientos culturales de europa. En los inicios de la historia republicana, bajo el primer gobierno de José Antonio Páez, el arte dejó atrás los temas religiosos de la Colonia y se abocó a una temática heroica orientada a exaltar los próceres de la Independencia. Durante esta época se fortaleció el género del retrato iniciado por Juan Lovera. El interés de algunos gobernantes, por favorecer esta nueva concepción heroica, los llevó a apoyar a los pintores venezolanos del momento para que estudiaran en Europa. Martín Tovar y Tovar, Cristóbal Rojas, Arturo Michelena, Antonio Herrera Toro y Emilio Mauri encontraron respaldo para perfeccionar su técnicas en el viejop continente. Reconocidas academias de Francia, como la Julien en París, y la San Fernando en Madrid, abrieron sus puestas para que estos artistas recibieran una sólida formación clásica en las técnicas de dibujos, pintura y escultura.


Fuente y patio central del
edificio del Palacio
Federal Legislativo 1876.
      El impulso de estas nuevas tendencias artísticas tam´bién se vio favorecido por la presencia en Venezuela de pintores europeos, quienes impulsados por la aventura de conocer los atractivos paisajes del trópico y el Caribe dejaron invalorables testimonios pictóricos de nuestras bellezas naturales y aportaron técnicas y procedimientos que influyeron en lops pintores locales.





Vista aéria del Palacio
Federal Legislativo
Entre estos artistas viajeros se encuentran Lewis Adams de Inglaterra, Fritz Georg Melbye de Dinamarca y Ferdinand Bellerman de Alemania.

 

      Pintores venezolanos del siglo XIX

      Martín Tovar y Tovar (1827-1902). Este pintor caraqueño hará de las batallas un motivo memorable, dada la energía y el dramatismo que le imprime a personajes, hechos y ambientes. Su obra es expresión del romanticismo venezolano que encuentra paralelo en las crónicas apasionadas de Juan Vicente González y Eduardo Blanco.



La Firna del Acta de Independencia.
Martín Tovar y Tovar. 18883.
      El arte de Tovar es una versión de la historia desplegada en grandes lienzos. Supo traducir a la pintura complejas acciones de la vida real y expresiones comunes del ser Humano. La Firma del acta de Independencia es considerado, con razón, el cuadro más popular de la pintura venezolana, ya que resume los ideales artísticos renacentistas: fidelidad en el retrato, realismo especial y detalles precisos.



La Batalla de Carabobo. Martín Tovar y Tovar.
     La Batalla de Carabobo, Presenta un paisaje dinámico que sirve como telón para integrar los momentos decisivos de esta batalla, sin necesidad de dividir el espacio y mantener el interés y en el punto central de esta compleja composición. Martín Tovar y Tovar consolida la tradición del retrato, iniciada por Juan Lovera.


File:Cristobal Rojas 37a.JPG
La miseria.Cristóbal Rojas. Óleo Sobre tela
180,4 x 221,4 cm.
      Cristóbal Rojas (1857-1902). La pintura de Rojas se detiene en el tema; es una pintura sentimental y anedótica copn el propósito de conmover y aleccionar al espectador, como se aprecia en La miseria, El plazo vencido y La primera y última comunión. Rojas estudió en París donde su trabajo fue admirado por el dramatismo ramántico que confiere a sus personajes. Allí adquirió la influencia decisiva de las obras maestras que pudo admirar en los museos franceses. Varios de sus cuadros de tonos terrosos y luces locales reflejan con crudeza los dramas de vida cotidiana.


File:Cristobal Rojas 46a.JPG
El Purgatorio. Óleo sobre Tela 339x256 cm.
Critóbal Rojas. 1890.
      La taberna, describe una escena donde afloran detalles en las texturas, demuestra dominio del dibujo académico y logra volúmenes sugeridos por juegos de luces y sombras. Otras de sus obras son El Purgatorio y el Autorretrato con sombrero rojo.



La muerte del Libertador. 1883.
Antonio Herrera Toro
      Antonio Herrera Toro (1857-1914). Discípulo de Martín Tovar y Tovar. Su trabajo se inspira en lña de los pintores españoles Rivera y Zurbarán. Sus obras más reconocidas son Murte de Ricaute en San Mateo, La Batalla de Junín y la Batalla de Ayacucho.

El pantión de los hérues 1898.
Arturo Michelena.Óleo sobre Tela
135x168 cm.
      Arturo Michelena (1863-1898). Arturo Michelena fue el artista de mayor éxito en su dibujante genial y poseedor de una facilidad prodigiosa para la pintura. En todos los tamas abordados evidenció una indiscutible formación académica de tendencia realista y de espiritu romántico-neoclásico. Los rasgos de su estilo se evidencian en los contrastes de luces y sombras, las desarrollo de temas cotidianos, que exponen el desarrollo de la existencia humana.

      Su obra más importante es Miranda en la Carraca.También han sido acreditadas por la crítica Muerte de Sucre en Berruecos, El niño enfermo y Carlota Corday.

      Escultura Venezolanos del siglo XIX




Monumento a Carabobo, popularmente conocido como
La India del Paraíso. Eloy Palacios.
      Eloy Palacios (1847-1919). Estudió en Alemania técnicas de modelado y de vaciado en bronce. La rscultra del monaguense Eloy Palacios desentraña lo monumentos enérgicos. Su obras más importantes es Monumento a Carabobo, Popularmente conocido como La India del Paraíso, encargada por Cipriano Castro de esta obra representan una alegoría de las repúblicas de Venezuela, Colombia y Ecuador. Aparecen sentadas y apoyando su brazo en los escudos tallados de sus respectivos países. La verticalidad de este monumento se impone como exaltación de la figura central, una india desnuda que corona triunfalmente la cúspide de una volumétrica palma americana. Destaca la acertada combinación de las texturas que ofrecen el bronce y el granito. Otra de sus obras conocidos es el grupo escultórico de José Félix Ribas.



Monografias.com
Monumento a Páez. Andrés Pérez Mujica.
      Andrés Pérez Mujica (1879-1920). Estudió también en Alemania. Hizo los bocetos y la maqueta del Monumento a Páez, pieza que fue fundida por Eloy Palacios. Esta obra se encuentra en la urbanización El Paraíso en Caracas. Otra de sus obras es Monumento a Guaicaipuro, ubicada en la plaza del mismo nombre en Los Teques, estado Miranda.

      En el trabajo de este escultor carabobeño se advierte tanto la influencia clásica de los franceses Rude y Capeau como la describir momentos significativos, atributos simbólicos de los personajes y un trasfondo de ideas literarias y nacionalistas. El Monumento a Guaicaipuro capta la ira del indígena que se levanta con gesto potente y actitud amenazante sobre el cadáver de uno de los suyos. Es un conjunto escultórico donde se revela un estudio cuidadoso de la anatomía, una dinámica composición y un firme dramatismo resumido en la expresión del gesto y el movimiento corporal.

       Lorenzo González (1877-1948). Estudió en París, donde realizó para el gobierno venezolano El Monumento a Francisco de Miranda que se encuentra en el Campo Valmy de Francia. Entre sus esculturas de menor formato se encuentran La tempestad, ubicada en la Galería de Arte Nacional y el tema alegórico El dolor.

      La obra de Lorenzo González refleja con mayor fidelidad los ideales de la escultura realista francesa, sobre todo acusa la influencia de Augusto Rodin. La tempestad incorpora con valor protagónico un elemento externo a la representación: el viento amenazador de la tormenta que agita los ropajes de los personajes a la vez que contrasta con la señal de advertencia y decisión de la anciana y el temor paralizante de los ojos desbordados de la niña. El dolor, en cambio, se vuelca a la interioridad del personajes donde el sufrimiento parece dejarlo en la intemperie física y psicológica.

      Otros escultores del siglo XIX en Venezuela son: Pedro Basalo, Santiago González, Rafael Blanco Vera, Nicolás Veloz, Paco Brocca y Alejandro Quiñonez.
 
      Arquitectura neoclásica en Venezuela
 
      Edificios Neoclásicos
 
      Durante el gobierno de Antonio Guzman Blanco, se levantan en Caracas varias edificaciones inspiradas en el estilo neoclásico europoe. Algunas construcciones coloniales reciben en sus fachadas motivos ornamentales de inspiración ecléctica, es decir, una combinación de diferentes estilos. Por ejemplo, formas arquitectónicas que habían sido erigidas con la verticalidad del gótico se ornamentan con motivos renacentistas y barrocos o formas clásicas revetidas.
 
      Entre los edificios neoclásicos de Caracas se encuentran:
 
    
    Capitolio.
  • El Capitolio (1873). Fue encargado por Antonio Guzmán Blanco y levantado por Luciano Urdaneta en el área oconvento de las monjas concepciones. Destacan en su fachada norte las columnas de orden corintio y las cariátides al estilo de los templos griegos, y gran cúpula ovalada. En su estilo neoclásico se mezclan columnas corintias y dóricas, jardines laterales, fuentes, alegorías y bustos de personajes historicos.

  • File:Teatro municipal3.gif
    Antiguo teatro Municipal año 50.
    antes de la remodelación
    El Teatro Municipal (1876). Monumental edificación iniciada por Esteban Ricard y concluida por Jesús Muñoz-Tébar. El estilo conrintio de sus columnas se alterna con arcos de medio punto y abertuas redondas y ovaladas de tradición renacentista.
File:TeatroNacional3.JPG
Teatro Nacional. 2012.

      Teatro Nacional, erigido durante el gobierno de Cipriano Castro. Su distribución espacial y los motivos ornamentales de la parte externa se inspiran en el Renacimiento tardío y el barroco.
 

Basílica de Santa Teresa.

      Basílica de Santa Teresa (1876). Es la construcción neoclásica religiosa más importante del gobierno de Antonio Guzmán Blanco. Su arquitecto fue Juan Hurtado Manrique, quien logró un acertado empleo de cúpulas, bóvedas, torres y dos fachadas presididas por Santa Ana, al oeste, y Santa Teresa, al este.
     

Santa Capilla. Menor Parte Interna


      Santa Capilla (1883). Templo inspirado en Santa Capilla de París, construido en tres meses por el arquitecto Juan Hurtado Manrique, bajo el gobierno de Guzmán Blanco.
 
 
 



 
 
 
 
Santa Capilla
Santa Capilla
       El 5 de Agosto de 1926 el papa pío XI la designó Basílica Menor. En el sitio donde está edificada esta basílica se encontraba en 1568 la ermita San Sebastián. La basílica tiene un enorme altar, todo el recinto está rodeado de vitrales y una obra de Arturo Michelena decora una de sus paredes. La distribución del espacio interior, la concepción de la fachada y la ornamentación están inspiradas en el estilo gótico.

      Entre los edificios coloniales que fueron "revestidos" con formas y ornamentaciones inspiradas en el estilo gótico está el Panteón Nacional, en su primera transformación. El sello que luce hoy está inspirado en formas barrocas, por eso no es neogótico sino neobarroco. La Casa Amarilla, anteriormente denominada Palacio de Gobierno, sufrió una remodelación neoclásica por encargo del presidente Guzmán Blanco. Esta remodelación a cargo del arquitecto Juan Hurtado Manrique fue concluido en 1877. 
 
      Otras edificaciones neoclásicas y neogóticas del siglo XIX se encuentran en Caracas y algunas ciudades del interior como Valencia, Maracaibo y Barquisimeto. Entre los monumentos conmemorativos de hechos y personajes destacan el Arco de la Federación y el Monumento a Colón, en Caracas.

      Movimientos artísticos europeos y su influencia en el arte Venezolano del siglo XIX

      Durante el siglo XIX, se estableció la república de Venezuela, es decir, Venezuela se independizó de España y emprendió su proceso histórico como nación independiente. Esto le permitió conocer y valorar la cultura europea del momento. Se adoptaron ideales políticos y se propició un acercamiento a las ideas estéticas de los movimientos de mayor influencia en Francia: el neoclasicismo, el romanticismo, el naturalismo y el realismo.

      El neoclasicismo

      El neoclasicismo se fundamenta en la imitación de las formas y expresiones del arte clásico greco-romano. los cuales estaban siendo revelados a luz de los siguientes acontecimientos: recientes descubrimientos casas, obras de arte y objetos en las ruinas de las ruinas de las antiguas ciudades romanas de Pompeya (1748) y Herculano (1738); el auge de las publicaciones y estudios sobre la antigüedad, la nueva filosofía francesa interesada en la simplicidad, lógica y la vuelta a la naturaleza; el rechazo a las formas curvilíneas y ornamentación. El entusiasmo se expresó en hechos importantes: se creó en Roma el primer museo de escultura antigua (1732), se exponen las colecciones de arte del Vaticano, de Luxemburgo (1750) y del Museo Británico (1759).

      La arquitectura neoclásica rechaza las líneas curvas del barroco y asume un estilo lineal, de formas sobrias y elegantes inspiradas en edificios romanos y griegos, pero con claro criterio racional. Las columnas adquieren uso fundamental, los frontones justifican los techos a dos aguas y la ornamentación no oculta las simplicidades de las formas y detalles.

      La Escultura neoclásica imita los temas, proporciones y las poses de las esculturas griegas y romanas. Se idializaron los retratos de personajes, los cuales en muchos casos siguieron el patrón de conocidas estatuas clásicas. Los escultores neoclásicos más famosos son el veneciano Antonio Canova (1757-1822), autor de Las tres Gracias y Retrato de Paolina Bonaparte y el danés Bertel Thorwaldesen (1760-1845), creador de Jasón, Venus y su conocido Autorretrato. 



      La pintura neoclásica asume un dibujo perfecto, de detalles realistas pero poco expresiva de los sentimientos. Se idealizan los personajes y se pintan temas de historia clásica y de mitología. Los retratos de copian poses y actitudes de estatuas clásicas y se acompañan de objetos y muebles antiguos encontrados en las excavaciones.


File:Death of Marat by David.jpg
Muerte de Marat, Jacques Louis David.
Museo del Louvre. París.
      Los dos pintores más importantes del neoclasicismo son los franceses Jacques Louis David (1748-1825), autor de la Napoleón, el Juramento de los Horacios y el célebre cuadro la Muerte de Marat, impresionante homenajes a un héroe asesinado, cuya simplicidad composicional acentúa la intensidad emotiva del terrible asesinato, como si los sentimientos más profundos sólo pudieran expresarse con el vacío.




La odalisca.Jean Auguste Dominique. Ingles.
Museo del Louvre. Francia.

      Jean Auguste Dominique Ingles (1780-1865) es el otro gran pintor neoclásico, virtuoso retratista de la alta sociedad de su tiempo, a la que pintó de manera idealizada pero con un riguroso dominio de la técnica del dibujo y el realismo pictórico. Entre sus obras destacan La bañista de Valpincon y La odalisca.

      Romanticismo El romanticismo es un complejo movimiento histórico que se desarrolló entre 1815 y 1848. Influyó en las manifestaciones artísticas y en el pensamiento occidental de diferentes maneras. Eata diversidad se debe al carácter independiente y a la voluntad antidogmática de sus ideas y planteamientos, donde los subjetivo se impone a lo objetivo, la libertad sobre el orden, el sentimiento sobre la razón, el misterio sobre la claridad y lo novedoso frente a lo conocido.

File:Eugène Delacroix - La liberté guidant le peuple.jpg
La Libertad guiando al pueblo. Eugenio Delacroix.
Museo de Louvre. París.
      Este movimiento propone mayor libertad en los temas y en la técnicas pictórica. El color es intenso, de trazo ágil y dinámico. Las composiciones expresan movimientos y dramatismo. Se pintan acontecimientos del momento y se recrean temas medievales, literarios y de la cultura oriental. Los pintores más sobresalientes son los franceses: Eugenio Delacroix 1798-1863) y Teodoro Gericault (1791-1824). La obras más conocida de Delacroix es La libertad guiando al pueblo. donde la figura alegórica de la Libertad conduce a un burgués, a un obrero y a un joven por las calles de París, sobre restos humeantes con las torres de Nortre Dame al fondo. Tambieén pintó dante y Virgilio, y la Matanza de scio, basado en un acontecimiento contemporáneo de la guerra entre griegos y turcos.


File:JEAN LOUIS THÉODORE GÉRICAULT - La Balsa de la Medusa (Museo del Louvre, 1818-19).jpg
La balsa de ka Medusa. Teodoro Geericault.
      La Balsa de la medusa es la pintura más importante de Teodoro Gericault. Cuatro grandes temas acaparan el interés de los pintores románticos: el misterio religioso, el historicismo nacionalista, el exotismo orientalista y el personajes romántico.

      El misterio de lo religioso se refleja en la tendencia de los románticos a expresar los misterios más incomprensibles de la razón humana y las contradicciones de la vida: el sufrimiento, la enfermedad, la violencia. Sentimientos opuestos al ideal de la belleza clásica. El sueño, la imaginación y la locura como escape de la racionalidad y la leyes físicas. En este contexto la religión cobró una importancia relevante para comprendes el tema de la muerte.

      El nacionalismo racionalista pretenderá salirle al paso a la aspiración de algunos ilustrados de alcanzar una cultura universal y el establecimento de un orden común. La creatividad artística romántica asumió la necesidad de difundir una identidad nacional, como expresión formal de una comunidad de individuos unidos por costumbres comunes y ligados a un pasado colectivo. Por eso recrearon y plasmaron en obras grandes batallas, personajes célebres y vivencias sociales de pueblos.

      El exotismo orientalista. Los románticos se fascinaron con el descubrimiento de mundos y culturas llenos de sensualidad y placer, especialmente del mundo oriental, el cual se imaginaron lleno de motivos fastuosos, aventuras excitantes, personajes de ensueños y cuerpos voluptuosos.

      El Paisaje romántico explica las interpretaciones subjetivas de parejas imaginarios llenos de misterio: el páramo desalado, un prodigioso atardecer, una pradera florecida o la infinidad de un paisaje solitario. Se pensó que con estos escenarios el ser humano experimentaba las viviencias más intensas de la existencia.

      Realismo y Naturalismo Estos dos estilos se encuentran muy asociados en la historia del arte. Sin embargo, pueden decirse que realismo propone la descripción artística de la realidad mientras que el naturalismo plantea la representación objetivo de la naturaleza, es decir, sin interpretaciones personales del artista. Ambos se caracterizan por un dibujo preciso, colores terrosos y temas cotidianos. El realismo y el naturalismo tuvieron impacto en la pintura, la escultura y la literatura francesas de madiados del siglo XIX. Los pintores más vinculados con estos movimientos fueron: Courbet, Daumier y Millet.

       Gustave Courbet (1819-1877). Courbet comenzó y dominó el movimiento pictórico francés denominado ralismo, en el que inicia el retrato veraz de lugares y gente ordinaria. Pronto se hizo sentir la oposición de los críticos y del público que estaban acostumbrados a los cuadros que les presentaban un mundo idealizado. En 1841 se dirigió a París con la idea de estudiar leyes, pero pronto se decidió por la pintura y aprendió copiando los cuadros de los artistas célebres.

GUSTAVE COURBET - Un entierro en Ornans (Museo de Orsay, París, 1849-50. Óleo sobre lienzo, 315 x 668 cm).jpg
Un entiero en Ornans. Gustave Courbet. Museo d´Orsay. París.
      En 1855, terminó un cuadro de gran formato, El estudio del artista, que fue rechazado en una exposición. Courbet exhibió su trabajo cerca del pasillo de la exposición. Pintó distintos temas, incluyendo el retrato, los desnudos femeninos y las escenas de la naturaleza. Su serie de paisajes marinos con las nubes de tormenta y sus cambios de direcciones tuvo una gran influencia en los impresionistas. Otras de sus obras reconocidas son. Un entierro en Ornans (1849-1850), La fuente (1869).

      Jean Francois Millert (1814-1875). Hijo de un granjero normando, Millet demostró desde muy temprano precocidad para el dibujo. En 1838 viajó a París como discípulo de Paul Delaroche, período durante el cual tiene que enfrentarse a una vida pobre y sacrificada. Sus recuerdos de la vida rural y las frecuentes visitas que lo mantuvieron vinculado a Normandía le inspiraron su permanente afición por la temática campesina, llena de una sagrada poética de lo sencillo.

      Entre 1858 y 1859 pintó el famoso Ángelus, obra que atrapa un momento de ítima comunión del hombre vinculado a la tiera y a una práctica obediente de la fe. Su éxito se debe a que optó por un realismo idílico y conquistó una gama total suave y profunda. Una evolución en su estilo personal lo llevó a liberar la gama cromática y a soltar la pincelada, características que tuvieron notables influencia en los jóvenes impresionistas.


Las espigadoras. Jean Francois Millet.
Museo d´Orsay. París
      Otro de sus cuadros, Las espigadoras, retrato el arduo trabajo de los campesinos cuidadosamente descritos en la sencillaz de su labor. Millet asume un rasgo del naturalismo, al colocar el paisaje como protagonista y no como se había asumido hasta el momento como simple telón de fondo.

      Honoré Daumier (1808-1879). Caricaturista, pintor y escultor francés que participó activamente en la política. Sus pinturas exponen con crudeza una documentación de la vida contemporánea, valiéndose de insinuaciones satíricas. Fue uno de los principales representantes del realismo por su visión franca y la carencia de interesó profundamente en la gente como motivo pictórico, especialmente los desvalidos.

El vagón de tercera clase. Honoré Daumier.
      En El vagón de tercera clase (1863-1865). muestra con mirada compasiva a una familia humilde que viaja en un modesto vagón de tren. Una joven madre habla a su pequeño niño, mientras la abuela cansada se pierde en sus propios pensamientos y el muchacho adolescente duerme. Esta escena está pintada con gran economía de recursos. Entres sus obras están: Dos esculturas, La carga y La sublevación.

      Unidad 14 El arte Venezolano. Inicio del Siglo XX


Vista al Ávila desde la Laguna de Boleita (Cabré,1930)
El Ábila de Manuel Cabré
      Desde 1915, mucho antes de que llegara Emilio Boggio a Venezuela. Manuel Cabré ya se había iniciado en la pintura de los paisajes del Ávila con una factura moderna comprometida con las técnicas del impresionismo. El cerro Ávila será el tema predominante en la pintura de Cabré.
 


El Ávila visto desde el Country Club (Cabré,1948)
El Ábila
      Se aprecian en esta obra volúmenes definidos en la distancia, la incorporación de un primer plano que destaca la profundidad y una armonía de colores que unifica la visión del conjunto. Las sombras coloreadas y el comportamiento de la luz incorporan dos principios de la pintura al aire libre. Su interpretación del paisaje avileño es verista, es decir, que representa el motivo como se va en la realidad.

      Los inicios del siglo XX


Curarigua 1957 | óleo sobre tela | 58 x 78 cms.

Curarigua
1957 | óleo sobre tela | 58 x 78 cms
     La infuencia de los ideas y estudios pictóricos del impresionismo sobre la luz y el color unida al desinterés por la enseñanza tradicional de la Academia de Bellas Artes de Caracas generaron un clima favorable para que un grupo de jóvenes artistas iniciara una transformación en el desarrollo de las artes plásticas en Venezuela. Muerto Emilio Mauri, director de la Academia de Bellas Artes, los alumnos no aceptaron el rígido academicismo que proponía el nuevi líder, Antonio Herrera Toro,


Maja. Armando Reverón. Óleo sobre lienzo.
67 x 95,5 cm. Museo: Colección
Alfredo Guinand. Caracas Venezuela
      Estos alumnos se retiran de Academia y fundan una asociación llamada Círculo de Bellas Arte, en 1912, donde participan pintores, escritores, poetas y otros intelectuales. En este grupo no había un maestro que impartiera normas para pintar, sino que cada miembro desarrollaba su trabajopersonal. Se inspiraron en el impresionismo francés, no con la intención de imitarlo sino con el interés de desarrollar una obra que conciliaran las inquietudes personales y el nuevo lenguaje que había impuesto el arte impresionista.

      Armando Reverón: El gran artista plástico de la mitad del siglo XX. Armando Reverón de estilo de vida bohemia que él mismo eligió. Reverón se destaca por la sencillez de su sabiduría y locura , cómo genio artístico. Gran creador y un verdadero investigador de los problemas de la luz.

      Se aventuro en sus primeros paisajes al aire libre , utlizando diversas técnicas .Las texturas de sus obras crean al espectador una sensación de profundidad y tenebrismo. Debido a su aislamiento y contacto con la naturaleza logra crear múltiples obras que a través de su espiritualísmo y entrega de sí mismo , hace que lo diferencie de otros artistas por proponer nuevas maneras de crear paisajes no academistas sino idealistas.

      Está extraña combinación de arte , sabiduría y locura lo lleva a la grandeza de ser una propuesta artística, es más a convertirse en una de las figuaras más importantes de la plástica moderna latinoamericana.

El pintor y su época


       Armando Julio Reverón Travieso nace el 10 de Mayo de 1889 en Caracas, en el seno de una familia muy acaudalada. Desde muy temprana edad Reverón pinta bodegones y retratos. En el año de 1908 se inscribe en la Academia de Bellas Artes y finaliza sus estudios en 1911. Por tanto lo lleva a ganar una beca para continuar sus estudios en Europa.Vivió en España y comenzó a estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona.

       Al año siguiente se marcha a Madrid y empieza a cursar estudios en la Academia de San Fernando, perdura su estadía hasta el estallído de la I Guerra Mundial. Pasara una temporada en Francia, poco menos de un año y luego regresa a Venezuela en 1915.

      En ese año se une al Círculo de Bellas Artes de Caracas. A partir del año 1916 se inicia el período Azul (el cual explicare con más detalles). Ese mismo año se muda a la Guaira donde dicta clases privadas de arte. Conoce a Juanita Rios, que se combertira en su modelo y esposa del pintor.Cuando Reverón se muda a la Guaira es allí donde construye el famoso "Castillete" su vivienda.Está nueva forma de vida transformara por completo la obra de Reverón.

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      Después que se desintegró el Círculo de Bellas Artes, en 1920, un nuevo grupo de pintores, inspirados por la obra de Emilio Boggio y los ideales del Círculo, inician una nueva forma de tratar al paisaje local y los temas nacionales. Este grupo se llamó la Escuela de Caracas.

      El Círculo de Bellas Artes

      Fundadores

      Los nuevos ideales que las artes ´plásticas nacionales habían asumido se vieron reforzados por la presencia de destacados artistas europeos que venían huyendo de las consecuencias de la Primera Guerra Mundial. En 1919 llegaron el ruso Nicolás Ferdinandov y el rumano Samys Mützner, quienes lograron marcar con su estilo a las jóvenes generaciones de pintures venezolanos. Ese mismo año regresa al país Emilio Boggio, quien venía de realizar una importante obra pictórica en París.




El Ávila visto desde el Country Club (Cabré,1948)
El Ábila. Paisaje. Manuel Cabré.

      Los que habían fundado el Círculo de Bellas Artes, ya disgregados, atendieron con interés el método del viejo maestro. Boggio les enseñó las técnicas impresionistas y los motivó a experimentar con las variaciones del color y de la luz. Su breve estadía en parís fue fundamental para que los artistas nacionales alcanzaran notables representación del tema predominante de la nueva pintura. el paisaje.

      El grupo de pintores que se reunió en torno al Círculo de Bellas Artes compartió el mismo empeño de renovar las artes plásticas en país, sin embarco, lograron afianzar estilos personales y dar un tratamiento particular a los elementos de expresión.



      Federico Brant (1878-1964). Nació en Caracas. Fue alumno de Arturo Michelena. Estudió en la Academia de Bellas Artes da Caracas y continuó sus estudios en Europa. Sus obras son de pequeño formato y de temática intimista. Aplica el color de forma pastosa y texturada.

      Rafael Monasteros (1884-1961). Nació en Barquisimeto. Inicio estudios en la Academia de Bellas Artes en Caracas y luego en España. Su temática principal son paisajes y naturalezas muertas. Aplica la técnica neoimpresionista.

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     Armando Reverón (1889-1954). Nació en Caracas. Hizo estudio de pintura en Caracas, Madrid y Barcelona. Considerado el más importante pintor de su tiempo. Reinventó el arte pictórico al eliminar el pigmento de color sobre telas de coleta. Su original obra se caracteriza por su libertad interpretativa y su particular manera de abordar la luz en relación con la atmófera. La obra madura de Reverón se identifica por el uso de pocos recursos pictóricos con alta expresividad.
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      Antonio Edmundo Monsanto (1890- 1947). Nació en Caracas. Estudió en Academia de Bellas Artes de Caracas y tomó parte activa en la fundación del Círculo de Bellas Artes. Fue director de la Escuela de Artes Plásticas. Se le reconoce por su amplio conocimiento de la Historia del arte y por su gran capacidad padagógica.

      Manuel Cabré (1890-1984). Nació en Barcelona (España), hijo del escultor Cabré y Magriñá. Se inicio en la Academia de Bellas Artes de Caracas y luego viajó a París. Se leconoce conmo el "pintor del Ávila", dado que hizo de este pisajes el tema preferido de su obra. Interpreta el paisaje con gran verismo y realismo pictórico.


     La Escuela de Caracas

      Pincipales Representantes

      En 1929 un nuevo grupo de pintores se propone desarrollar una manera diferente de reproducir el paisaje caraqueño destacando los elementos lacales: la luz, la vetación, la atmósfera. Tenían libertad para desarrollar sus temas pictóricos. A este grupo se le conoce como la Escuela de Caracas. En realida este término ha sido difundido por el crítico Enrique Planchart, quien designa así a todo el paisajismo derivado de la estética del Círculo de Bellas Artes. Con esta categorización se recogen básicamente las obras que giran alrededor de un tema privilegiado de aquel entonces: el valle de Caracas con la gran montaña del Ávila como telón. Algunos antecedentes de este motivo pueden rastrearse en Martín Tovar y Tovar, quien sus paisajes de profundas perspectivas incluye la monumental silueta del Ávila. También el alemán Bellerman esboza al Ávila como parte de sus pinturas donde reproduce una dimensión geográfica del pisaje.

       Sin embargo, es a principios del siglo XX, específicamente en 1910 cuando un grupo de pintores se orienta sistemáticamente al tema del Ávila. Pero es en la obra de Cabré y de Pedro Ángel González donde se erige como una figura potente y representativa. Bajo el término Escula de Caracas se incorporan algunos paisajistas que cursaron estudios en la Academia de Bellas Artes o que tuvieron diferentes influencias que los conectan a los esquemas del Círculo de Bellas Artes. Algunos de los más importantes integrantes de esta orientación en la plástica venezolana son:

      Pedro Rafael González (1901-1981). Nació en la isla de Margarita. Se dedicó al estudio del paisaje al aire libre. Desarrolló una pintura de composición estructural y de fina observación de los detalles naturales.

      Rafael Ramón González (1894-1975). Nació en el estado Portuguesa. En su pintura no sólo destaca al paisajes sino también interés por los temas sociales, sobre todo por representar la forma de vida de la gente humilde.

      Marcos Castillo (1897-1966). Estudio en la Academia de Bellas Arte de Caracas. Su obra acusa la influencia de Cristóbal Rojas al comienzo y de Emilio Boggio, posteriormente. Su pintura tiene una estructura compossitiva volúmenes cromáticos, logrados por planos de colores yuxtapuestos y por cierto carácter simbólico.

      Otros pintores destacados fueron Elisa Elvira Zuloaga, Antonio Alcántara, Luis Alfredo López Méndez, Trino Orozco, Próspero Martínez, entre otros. El Círculo de Bellas Artes y la Escuela de Caracas constituyen referencias ineludibles para fundamentar el arte moderno venezolano y su relación con las manifestaciones artísticas europeas más importantes de su tiempo. El avance hacia técnicas renovadoras y la incorporación de nuevas influencias, permitió a estos movimientos impulsar un avance en la detenida evolución de las artes plásticas en el país.
 
      Movimientos artísticos que influyeron en el arte venezolano moderno

      El Impresionismo

      El impresionismo se revela como un movimiento y fundamentalmente como una técnica pictórica desarrollada en Francia en la segunda mitad del siglo XIX. Se proponía captar los cambios del paisaje, su atmósfera y los efectos de luz sobre el color. Por eso pintaban al aire libre (plenairismo), usando una técnica rápida de colores puros y pinceladas sueltas.

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Impresión. Salida del sol. Claude Monet.
      En la aparición del impresionismo influyeron varios aspectos: el rechazo a los temas narrativos expresados con "recetas" académicas; la aparición de lienzos industriales y tubos de colores de mayor viveza y contraste; el auge de la fotografía que se introdujo la posibilidad de ver un motivo desde varios puntos de vista; el conocimiento de la pintura oriental de formas esenciales y luminosas conocida mediante estampas japonesas llegadas a París; la conciencia de lo fugaz y dinámico de la vida moderna. de tiempos más cortos y decisiones más rápidas.

      Para representar plásticamente la luz y el color, los pintores impresionistas emplearon el pigmento de color grueso, pastoso, la tela con pinceladas fuertes y libres, lo cual permitía una interacción entre un difuso fondo atmosférico y unas figuras de contornos abiertos. En sus inicios las pinturas impresionistas no eran consideradas en los salones oficiales.


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Almuerzo en la hierba. Eduard Menet. 1863.
      Los pintores rechazados en los salones oficiales de arte se organizaron en torno a un viejo maestro, Eduardo Manet (1832-1883), quien captó la necesidad de cambiar la pintura y presentó temas considerados atrevidos para el "gusto oficial". Su obra más famosa, El almuerzo en la hierba, fue rechazada en el salón de 1863 por considerarla inmoral, a pesar de estar inspirada en pintores renacentistas reconocidos como Rafael y Tiziano.

      Entre los grandes pintores impresionistas destacan Claude Monet (1840-1926), autor del Célebre cuadro Impresión. Salide del sol, título que utiliza el crítico jules Catagnary para otorgar, irónicamente, nombre al movimiento. Camile Pizarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Pierre Auguste Renoir (1841-1919) y Edgar Degas (1834-1917), entre otros. Cada uno desarrolló su propio lenguaje pero todos hicieron de la luz, del color y de la atmósfera el elemento esecial de sus pinturas.

      Los ideales del impresionismo también influenciaron en una escultura de efecto inacabado en las texturas, de un modelado vigoroso y de alto carácter expresivo. El escultor impresionista más famoso es Augusto Rodin (1840-1917), autor del célebre El pensador y de Balzac, obra de la cual existe una copía en los jardines del Ateneo de Caracas.

      El Postimpresionismo

      Con el nombre de postimpresionistas se conoce a un grupo de pintores que si bien estaban vinculados a los impresionistas, buscaron su propio camino para expresar sus ideas y maneras de pintar. La obra de estos artistas marca definitivamente el rumbo de la pintura moderna y el desarrollo de tendencias posteriores. Destacaron aquellos que se interesaron por dar una solución objetiva al problema de la representación visual, como Georges Seurat y Paul Ceézanne y los que se inclinaron por la utilización del color con fines expresivos y simbólicos como Vincent van Gogh y Paul Gauguin.

      El puntillismo
El cuadro El grito (completo)
El grito. Eduard Munch.

      El puntuallismo o divisionismo nace de la obra pictórica y teórica de Georges Seurat (1859-1891). Consiste básicamente en la técnica de representar las formas mediante pequeños puntos de colores yuxtapuestos que vistos a distancia se "mezclan" en ojo del espectador. Por ejemplo, varios puntos amarillos y azules colocados unos junto a otros afrecen a la retina una tonalidad verde. Esta manera de generar tonos cromáticos se conoce como color óptico. Paul Cézanne (1839-1906), por su parte, se propone rescatar la solidez y estructura compositivas que se habían perdido con la yuxtaposición de planos de color con base en manchas y la interpretación de los motivos con la esencia de sus formas geométricas predominantes.

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Paul Cézanne,El jarrón azul,© RMN (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski
El florero azul. Paul Cézanne
      Vincent van Gogh (1853-1890), representa un caso aparte, planteó en su pintura la necesidad de expresar creativamente los sentimientos y emociones. Dominan en su técnica las pinceladas gruesas, los colores empastados, el predominio de amarillos y una coherente relación entre lo sentido y lo pintado. Paul Gauguin (1848-1903) busca en el mundo primitivo lo esencial de la condición humana. Se inspira en vitrales y esmaltes medievales para lograr un lenguaje artístico de colores vivos y contenidos simbólicos.

      El expresionismo

       El expresionismo representa un movimiento artístico de posguerra surgido en Alemania a mediados del siglo XX. Se propone representar las ideas y las emociones. Desea exaltar los valores emotivos y espirituales mediante una pintura que desatiende las reglas de la perspectiva y las proporciones. Anteponer la intensidad de la expresión a la belleza de la forma. En el retrato interesa más la expresividad del personaje que su parecido físico con el modelo.

      Tampoco importa mucho la precisión técnica del dibujo ni la correspondencia del color con la realidad. Los colores agresivos, las formas grotescas y el trazo pictórico áspero e impulsivo revelan una correspondencia vital entre el artista y la creación. Entre los pintores más importantes del expresionismo están Eduard Munch (1880-1944), autor de la conocida pintura El grito, obra que representa la angustia y la incomunicación a través de formas distorsionadas y pertubadoras. Otros artistas de este movimiento fueron Ludwing Kirchner (1880-1938) y Oskar Kokoschka, entre otros.

      El simbolismo


Vincent van Gogh,La meridiana o La siesta (según Millet),© RMN (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski
La siesta. Vincent van Gogh.
      Mientras que las corrientes impresionistas fomentaban la expresión de las sensaciones visibles, surgía una nueva tendencia artística que se inspiraba en el mundo cotidiano, en detalles simples y comunes de la vida: el simbolismo. Este movimiento trata de provocar emociones espirituales y evocar ideas místicas a través de imágenes, formas y colores alejados de la realidad física de las cosas. Sus temas eran inspirados en la mitología, la religión, el misterio... a los cuales se les daba un valor simbólico.

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      Los simbolistas recuperan el predominio de lo místico sobre la natural, de lo misterioso frente lo comprensible, de lo intelectual frente a lo sensorial. Los artístitas más destacados de esta corrientes son Gustava Moreau (1826-1898), Pierre Pubis de Chavannes (1840-1916), también el francés Paul Gauguin (1848-1903), quien en búsqueda de lo esencial y primitivo de la condición humana logra una pintura de profundo contenido simbólico-religioso.
 


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